Dans les Maisonnettes de Gargenville, (ancienne maison des musiciennes Lili et Nadia Boulanger). on n’entend pas que de la musique, une salle présente des expositions d’artiste souvent de la région.
Emmanuelle Lemettais travaille à Vernon dans l’Eure, elle nous présente ses dernières créations sur des supports acryliques sur toile.
Trois séries nous sont présentées i : paysages, architecture et fleur.
Commençons par les Paysages.
Dans les vignes. 30/30 cm
Les herbes folles. 100/65 cm.
La maison aux volets verts
Vaches normandes. 100/1000 cm
Joyeuses. 100/100 cm
Perdus sous les pins. 30/30 cm
Par tous les temps. 30/30 cm
Pas de tempête aujourd’hui. 100/81 cm
Architecture
Marseille, Grenoble ou de la Normandie sont présentés.
Les Ardoises. 80/80cm.
Rêver. 81/54. Cm
Un été dans le 5 ème. 130/81. cm
À bicyclette. 116/ 76 cm
— Souffler. 50/50cm
— Chambres de bonnes. 50/50 cm
Pour finir :
Bateau et fleur:
Partir Revenir. 100/100 cm
Table de printemps. 80/80cm
A voir de près, les lignes, taches, aplats. Frottis de peinture qui se posent sur les toiles, ne permettent pas de sentir la construction de l’image, c’est du direct pinceau sur la toile.
Le fond du tableau est au même niveau que le premier plan, c’est ce qui donne à ces toiles une ambiance presque abstraite .
on trouve sur une place en face de l’église, sur des panneaux, une exposition de dessin de Mélanie Pasquier, je partage donc avec vous dans ce petit blog cette découverte.
Mélanie Pasquier. Sans titres N °26. Dessin graphite sur papier. 15/21 cm
Sur les panneaux, les dessins ont été agrandis par un facteur 5.
Mélanie Pasquier. Sans titres N °36. Dessin graphite sur papier. 21/30 cm 2022Mélanie Pasquier. Sans titre N °31. Dessin graphite sur papier. 15/21 cm 2021
Et pour découvrir plus de dessins et créations de cette artiste, il y a un très beau texte de Horya Makhlouf qui provient du site de Mélanie Pasquier ( j’ai intercalé ce texte entre les dessins et peintures qui proviennent aussi de ce site.
Forme et informe de la mémoire
Sur les fonds ocres et terreux des toiles de Mélanie Pasquier se déploient des formes énigmatiques, fantastiques et hybrides. Point par point, trait par trait, elles grouillent, rampent, et prennent le corps que l’artiste leur imprime patiemment.
Mélanie Pasquier. Sans titres N °13 . Dessin graphite sur papier. 15/21 cm 2022
De toile en toile, elles viennent à la vie, inquiétantes et étranges, hésitantes ; elles entrent ici en éruption mais là tombent de hauteurs insoupçonnées.
Les bouts d’arbres côtoient les bouts de corps, os, dents, poils, figures anonymes et miniatures ; pieds et mains sont engloutis dans des torrents de branches, feuilles, algues, cailloux et mottes de terre.
Mélanie Pasquier. Sans titres N °33Dessin graphite sur papier. 21/30. cm 2022
Mais ici un œil surveille, une figure apparaît, deux doigts se lèvent et viennent titiller un corps-poche-sac de poils du bout duquel s’échappe la forme vaporeuse du souvenir.
Mélanie Pasquier. Sans titres N °32 Dessin graphite sur papier. 21/30 cm 2022
C’est précisément à cette source que Mélanie Pasquier puise son inspiration. Celle du souvenir tactile d’une main passée dans la terre ou dans les cheveux d’un être aimé, d’un sillon tracé dans le sol du bout des doigts ou d’une eau impossible à saisir entre deux mains. Comment traduire la sensation ? Comment transcrire l’engourdissement nébuleux dans lequel plonge la pensée lorsqu’elle veut se rappeler la matérialité du passé ?
Mélanie Pasquier. Sans titres N °32 Dessin graphite sur papier. 21/30 cm 2022
Les tableaux de Mélanie Pasquier sont l’image du Rêve ; oniriques, flottants, plasmiques. Ils sont les tables sur lesquelles exposer les restes excavés de son esprit et d’une mémoire oxymorique, car à la fois tactile et impalpable.
Mélanie Pasquier. Sans titres N °17 série conjuration Dessin graphite sur papier. 15/21cm 2022
Ainsi les formes jaillissent sur un fond qui n’a de terrestre que la couleur. Çà et là, les coulures et les effacements, les couleurs liquides et délavées traduisent l’évanescence et le passage, l’impossible attache de ce qui, sans cesse, échappe.
Mélanie Pasquier. Sans titres N °05 série conjuration Dessin graphite sur papier. 15/21cm
Mais les contours noirs de ses dessins offrent à la mémoire l’ancrage matériel qu’il lui fallait pour exister aux yeux du monde, et sortir enfin de la « sourcière » qui donne leur forme aux filaments mémoriels, et son titre à l’exposition.
Mélanie Pasquier. Sans titres N °s15 érie conjuration Dessin graphite sur papier. 15/21cm
La mémoire sensorielle est un terreau ambigu et fertile. Elle est ventre qui porte les corps en gestation, cavité duquel ils coulent, par libre association de motifs, avant de se déployer à la lumière et de s’amarrer, enfin, quelque part : sur la toile de l’artiste.
Mélanie Pasquier. Sans titre – Acrylique et encre de Chine sur bois – 22x16cm – 2019
Point par point, trait par trait, le souterrain vague de la mémoire s’éclaire alors doucement. Bruissante, impatiente, celle-ci trouve dans l’art une seconde vie. Fière d’avoir échappé aux limbes et à l’oubli, elle déploie son espace dans l’interstice ouvert par la peinture entre la vie et la mort, la grotte et son au-delà, les portes d’ivoire ou de corne qui séparent le Nerval d’Aurélia du monde invisible du Rêve et Mélanie Pasquier de ses souvenirs.
On découvre d’autres recherches sur son site comme ces dessins sur écorces.
Mélanie Pasquier. Sans titre Dessin sur écorce
Sur le site on trouve d’autres peintures.
Mélanie Pasquier. Hunger – Acrylique sur toile – 50x65cm – 2018AndromedeM31 – Acrylique sur toile – 130x81cm – 2019
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Hora 1. Acrylique et encre de chine sur bois – 22x16cm – 2021 – Hora 2. Acrylique et encre de chine sur bois – 22x16cm – 2021
Le plaisir de découvrir les créations d’une plasticienne où le dessin est parti prenante d’un univers riche, passionnant.
Fall – Acrylique sur toile – 50x65cm – 2018
Ce qui est étonnant est la mise en page des dessins graphites dans un grand espace blanc que je n’ai pas voulu recadrer et ses acryliques où la composition des dessins colorés est recadrée sans espace de respiration visuelle comme pour nous faire entrer directement dans le sujet.
Rivière Installation – Voile en lin, structure en acier, infusion de chou rouge, acrylique. – 2025 – 3,50×1,20m Voûte – Détail Gravure directe sur disque de cuivre oxydé – 2025 – diam. 65cm
Centre d’Art Contemporain Château de Saint-Pierre-de-Varengeville (Seine-Maritime) est le Centre d’art de l’assureur la Matmut. Un jardin avec des sculptures, un espace pour des expositions temporaires et dans le sous sol les organisateurs ont gardé en fixe une installation qu’avait réalisé Philippe Garel en 2012.
Le Panthéon.
« Le Panthéon » de Philippe Garel est une série de 20 sculptures représentant les grands maîtres de la peinture : Delacroix, Giotto, Titien, Chardin, Monet, Goya, Michel-Ange, Duchamp, Holbein, Rubens, Donatello, Uccello, Géricault, Ingres, Vélasquez, Dürer, Manet, Rodin, Rembrandt et Courbet. Son oeuvre est à la fois un hommage et une confrontation à ceux qui l’ont inspiré.
Technique/matériaux : bronze, terre cuite, terre cuite émaillée ou patinée, marbre, polyester, polyester et fer
PANTHÉON. Date de création : 1987 à 1989
« Ma toute première intention était de provoquer un banquet auquel je souhaitais convier tous les artistes qui figurent aujourd’hui dans ce panthéon. Cette réunion impossible n’est concevable que dans l’imaginaire d’un peintre confiné dans la solitude de son atelier et des fantasmes qui l’accompagnent quotidiennement. » – Philippe Garel, 2021.
En cherchant qui est Philippe Garel, on aperçoit qu il a réalisé de nombreuses expositions de peinture et de dessin, collectives et personnelles.
Les peintures
Composition au personage agenouillé de dos 1978 Huile et acrylique Panoratomique. Huile sur toile 2009
L’Africaine. 1987. Huile et poudre d or 170 x 150 cm
Les toiles sur l’Afrique ont été réalisée grâce à l’imaginaire de l’artiste car il précise qu’il n’est jamais allé sur ce continent.
Philippe Garel a réalisè aussi des sculptures monumentales, commandes publiques ou privées.
Place Léon Blum à Paris Sculpture de 1985
Pour compléter cette recherche sur Philippe GAREL, il est né en 1945 à Trébeurden en Bretagne; Philippe Garel suit les formations des écoles des beaux-arts de Quimper, Rennes et Paris de 1962 à 1968. Il est tout d’abord un dessinateur et un peintre remarquable. Il a été enseignant à Rouen, Il travaille la peinture à l’huile, à la façon des maîtres qu’il admire et qu’il fréquente régulièrement dans les musées, mais aussi le fusain et le pastel.
Puis se succèdent de nombreuses expositions de peinture et de dessin, collectives et personnelles, souvent en rapport avec des objets, sources d’inspiration.. il est membre de l’académie des beaux-arts depuis 2015.
On peut lire son discourt où il rend hommage au peintre George Rohner
voir : https://georges-rohner.com/galerie-2/. Mais G. Rohner c est autre chose et une autre époque On peut lire son discourt où il rend hommage à peintre George Rohner
La galerie N°5 montre en ce moment une artiste qui dessine le quotidien.
A la galerie N°5 Montpellier rue Ste Anne.
Simple, avec une maîtrise du dessin, que ce soit au crayon, en numérique ou peinture, on retrouve à chacun de ses travaux une présentation de la réalité avec une finesse des détails.
Il faut savoir que Cassandre Fournet désire que toutes les images concernant son travail soient considérées comme non libre de droit.
Dessins
Adventiste ( 15). 2022. Crayon à papier 50/65 cmAdventiste ( 14 ) 2022. Crayon à papier 50/65 cmAdventiste 09. (2021.). Crayon à papier 50/65 cmAdventiste ( 08). 2021. Crayon à papier 50/65 cmAdventiste ( 06 ) 2021. Crayon à papier 50/65 cmAdventiste ( 01). 2020. Crayon à papier 50/65 cm
Dessins numériques
Dernier voyages N°2. Octopus. Mai 2020
Peintures
Alphabet 12/26. 2021. Acrylique sur toile 22/27 cmAlphabet 10/26. 2021. Acrylique sur toile 22/27 cmVacances post-confinement. 2020. Acrylique sur toile 104/78. cmElapsed Times. . 2018. Acrylique sur toile 104/78. cm48°03’55 ‘’ N 1°19’55’’ E. . 2018. Acrylique sur toile 100/140 cmAlphabet 16/26. 2022. Acrylique sur toile 22/27 cm
Ombilic des rochers 2023. Acrylique sur toile 18/244 rue Andrey Guy Picoty. 2024. Acrylique sur toile 70/102 cm
News Babys 2023. Acrylique sur toile 5/4 cm.
Coffret gaz. ExtérieurS. 2023. Acrylique sur toile 68/90 cm
Jérôme Carrié sur le site de Cassandre Fournet en parle mieux que moi.
Cassandre Fournet et l’archéologie du quotidien
Par Jérôme Carrié
Le travail de Cassandre Fournet s’attache à représenter des détails auxquels nous n’accordons que peu d’importance lors de nos déplacements quotidiens. Au premier regard, il se dégage de ses œuvres un paradoxe entre la patiente construction plastique de l’image et la frêle réalité que celle-ci décrit. Par la maîtrise technique qui les caractérise, ses œuvres donnent une valeur à ces détails secondaires et insignifiants au premier abord : lieux abandonnés, murs délabrés, enseignes, panneaux, entrepôts, espaces en chantier, graffitis, végétaux qui poussent dans les fissures du bitume..
L’exposition de l’été du musée Paul Valéry de la ville de Sète nous montre une rétrospective du peintre Martial Raysse. Pour ceux qui ne connaissent pas Martial Raysse, il est un artiste français contemporain qui a des œuvres dans les musées du monde entier. Il a représenté l’avant garde de la vie artistique francaise dans les années 1965-1975. Et, l’exposition nous montre que l’évolution de son language pictural.
D’autres mieux que moi vous présenteront la démarche de cet artiste issu du nouveau réalisme qui est devenu une icône du Pop Art français de ces années 70. Nous sommes toute une génération à avoir vu ses sculpture-tableaux réalisés avec des néons dans les Musées de Nice à Paris ou d’ailleurs. Il a continué de représenter sa vision du réel, mais avec des matières plus traditionnelles, il a su garder cette force de représentation .
Pour commencer, ci-dessous des œuvres du début de Martial Raysse qui n’était pas présenté á Séte qui date de la première période.
« America America« , 1964, en néon et métal peintPeinture haute tension. 1965
VERTE- 1963‘ huile, collage, xerographie, lunette et houpette sur toile
La ménagère
Comme sur le site savemybain nous explique
…Le personnage de la ménagère est ainsi aisément symbolisé par un valet de nuit assorti de nombreux accessoires domestiques. Toutefois, la recherche de composition et la juxtaposition de couleurs vives rappellent plus ce qui se faisait à la même époque de l’autre côté de l’Atlantique. ..( sur le site. https://www.savemybrain.net/v2/2014/08/19/martial-raysse-au-centre-pompidou-180924376/. )
De plus, Raysse a ajouté le néon dans nombre de ses œuvres. Il n’est ici pas froid comme dans une composition de Hopper ni minimaliste comme dans une installation de Flavin. Bien au contraire. Il rehausse de couleur une bouche carmin ou sature les teintes au-delà de ce qui est possible par le simple medium pictural habituel. A la clé : des œuvres encore plus Pop Art que le Pop Art, comme si les portraits de Warhol se muaient en bas-relief illuminés et scintillants
A osciller entre les deux influences, Martial Raysse a sans doute gagné la place peu enviable du moins célèbre des Nouveaux Réalistes. Ce titre est peut-être également dû au tournant radical qu’a pris son œuvre par la suite, s’intéressant tour à tour à personnifier les mythes antiques ou à réaliser des portraits de son entourage…. Sur le site https://www.savemybrain.net/v2/2014/08/19/martial-raysse-au-centre-pompidou-180924376/
Pas de néon pour cette exposition à la ville de Sète.
Car bien avant sa rétrospective à Beaubourg en 2014, que ce soit avec des sculptures ou des tableaux, c’est plus à travers une réflexion et les outils des peintres classiques qu’il réalise des portraits et scènes de vie où l’ imaginaire déborde toujours un peu du tableau.
L’exposition de Sète nous montre cette évolution. Elle nous montre les portraits qu’il réalise, une mosaïque de tous les genres humains possibles et imaginables avec une touches de rêve et de décalage et d’humour qui est sa marque de fabrique de peintre qui est dans les circuits de l’art musée et galerie.
La femme du loup gris. 1988Giotto renversé par un porc. Détrempe. 1995Août, mais oui. 2008. détrempe sur contreplaqué. Ces deux-là. 2008 Acrylique sur toile Souvienne vous de moy souvent. 2008. Acrylique sur toileDanse pour une petite perle. 2011 Bois plâtre papierSéraphine , 2007 Acrylique sur toile Ho! 2012. Bronze et bois huile sur toile
Dérision sur le culte de la peinture pratiqué dans les Musées et les galeries.
13 sonnets 2002. Poème et sculpture
La lune morfondue dans la mort oubliée
Berce le vœu secret dans les yeux de l’aimée……
……
Car au secret du cœur parle la chair qui meurt
Alors un cri cru strie les sources de la peur
Boue de nos entrailles ouvertes à tous les vents.
Salut les potes ! 2014. Bronze aimants épinglés Songeuse Roxane. 2013. Détrempe sur toileCopinons. 2018. Acrylique sur toileLever du jour 2020. Acrylique sur toile La Paix. 2023. Acrylique sur toileLa Peur . 2023. Acrylique sur toileCourage Martial 2021 huile sur toileIl m’arrive de le sentir si seul. 2920. Plastique et papier mâché Musée Paul Valéry de Sète, 2023
En complément , pour finir la présentation de ce peintre, je vous montre ci-dessous le tableau qu’il a réalisé en 2014 pour la rétrospective au centre Beaubourg qui est actuellement dans les Pinault collections.
Et que l’on peu voir dans les détails dans cette video:
Cette vaste peinture foisonnante ( de 9 m de long) dépeint des centaines de personnages dans les occupations les plus diverses, voire antipodiques : à gauche de la toile on rit, grimace, danse ou joue dans une foire qui se tient au loin ; au centre et sur le côté droit, la foule est furieuse et s’adonne à une violence aveugle. Ces actions prennent place dans une ville colorée et imaginaire aux accents postmodernes…..
Ce tableau qui n’est pas dans l’exposition, résume bien le travail de ce peintre. Il a réalisé cette jonction entre le nouveau réalisme et la représentation de notre société qui va au-delà d’un style, il est comme les peintres du XIXème et XXème siècle, au delà du language, il façonne une figuration qui nous représente bien.
Les mots de cet article: Martial Raysse, musée Paul Valéry, Pop Art, peintre contemporain,
Immortelle est le nom donné pour un ambitieux panorama de la jeune peinture figurative française.
C’est au MO.CO de Montpellier que sont présentés des artistes emblématiques de la scène française. L’exposition s’organise en deux volets: au MO.CO. la génération des années 1970, et à la Panacée, la nouvelle génération. Ci dessous sont présentées les peintures accrochées au MO.CO.
« L’exposition généreuse, sensible, entend rendre hommage à la peinture, dans sa part physique, matiériste, érotique, romantique de Vitalité de la jeune peinture figurative français » nous expliquent les commissaires de l’exposition: Numa Hambursin, directeur général MO.CO. & co-commissaire invitée: Amélie Adamo.
Je ne peux pas dans ce modeste blog vous montrer tous les aspects de cette exposition car volontairement les commissaires ont voulut être très large dans leur choix. Je mets le lien avec certains artistes pour pouvoir aller plus loin dans leur travail.
Stéphane Pencréac’h. Coré. 2012. Technique mixte sur toile.
…….le linceul de Coré dégoulinant de sang semble d’une cruauté gratuite. Et la fornication de Circé prétextant des jaunes rappelant les couleurs néo-expressionnistes d’un Baselitz et des figures qui, pour le coup, s’envoient effectivement en l’air, ne semble répondre à aucune nécessité artistique. Enfin, le recours systématique aux fonds noirs (évoquant tout autant les vanités de Philippe de Champaigne, le style du Caravage ou celui de Manet), et l’emploi du cadre géométrique à la Bacon, ne suffisent pas à constituer un fait pictural convaincant……. Article dans https://www.paris-art.com/stephane-pencreach-2/
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Jérôme Zonder Jeu d’enfants. #4. 2011 fusain et mine de plomb sur papier
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Guillaume Bresson. Sans titre 2020 huile sur toile
…..les peintures de Guillaume Bresson mettent en relation harmonies formelles et anomalies du récit, faisant de l’artiste un héritier pictural des avant-gardes littéraires et cinématographiques……d’une ouverture dans le processus et les sources de la création, en présentant des images tantôt hyperréalistes, tantôt abstraites….. article de présentation du peintre dans : https://www.paris-art.com/guillaume-bresson-2/
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Jung-Yeon Min. Calanque 2. 2020 encre de chine et acrylique sur papier.
…… l’intérêt profond que porte Min Jung-Yeon pour les sciences, l’exploration de l’espace notamment, est lié à son observation poussée de la nature depuis le plus jeune âge. Elle tient aussi à sa culture d’origine, celle d’une Corée tiraillée entre consumérisme et tradition, où l’héritage chamaniste a encore un ancrage. Dessins, peintures, volumes, installations – Min Jung-Yeon est à l’aise dans toutes les dimensions, de l’infiniment petit au monumental……. Voir https://marialund.com/fr/artistes/min-jung-yeon/
….Dans ses œuvres nous sommes toujours pris dans un instant saisissant, entre passé et présent. Nous sommes happé par le flottement de ses éléments aquatiques récurrents, comme par ses actions en suspens. Le temps d’un immédiat que nous épions tel un voyeur discret, semble entrer en collision avec celui d’une atemporalité saisissante. Si l’artiste nous convie dans son intimité, comme dans celle de ses proches, il semble par les nombreux indices qui composent ses œuvres nous parler d’une mythologie collective, plus encore nous faire plonger par la finesse de ses détails au cœur de la matérialité de l’œuvre. …. Hélène Virion –
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Fabien Mérelle l’ile Encre et aquarelle sur papier 2015
Fabien Mérelle Je viens (détail)
Fabien Mérelle Je viens Encre et aquarelle sur papier 2015
Fabien Mérelle Valser Encre et aquarelle sur papier 2012.
Fabien Merelle. Le cercle Encre et aquarelle sur papier 2023
…..Cela fait longtemps que l’habitude est prise. De loin en loin, Fabien Mérelle nous livre sa vision du monde, une interprétation du monde des grands qui souvent relèverait du cauchemar plus que du rêve, même si son dessin, toujours précis et fouillé, semble de nature à apporter la paix. Depuis peu, le personnage que nous voyons agir n’est plus seul. Il ne se débat plus au milieu des éléments, n’est plus continuellement aux prises avec des obstacles démesurés. Non, tel Nils Holgersson désormais, il vole avec les oies sauvages. ….François Michaud. conservateur au musée d’Art moderne de la Ville de Paris. https://www.merellefabien.com/works
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Léopold Radus. Le moineau. 2016 huile sur toile pour en voir plus : http://leopold-rabus.com/index.php?page=worksSur les murs de l’exposition, Angel 2. De Florence Obrecht ´Guillaume Bresson. Sans titre 2018. huile sur toile
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Till Rabus. Nymphe. 2014 huile sur toile.
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Abdel Kader Benchamma. Arbres- Mondes Souterrains. 2022. Encres sur papier marouflé sur toile.
….L’autre pilier de son travail réside dans sa pratique du dessin. Qu’ils soient réalisés sur feuille ou à même le mur, le dessin de Benchamma trahit un certain penchant pour la ligne claire et l’approche traditionnelle du trait. Mais plutôt que de se conformer à une virtuosité classique, l’artiste soumet son récit à la moulinette du non-sens…. Article de présentation de lAbdel Kader Benchamma Dans https://www.paris-art.com/abdelkader-benchamma-2/
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Gilles Miquelis. Vanité au chat noir. 2015. Huile sur toile
Je ne vous montre pas des peintres comme Thomas Verny présentés ici au MoCo car comme l’exposition qui lui est consacré au musée de Sète, ce peintre pratique la peinture de paysage et de nue à la chaîne, plus proche du papier peint pour décoration à la mode, qu’une activité artistique.
La suite sera les peintures présentées à la Panacée.
Les immortelles, MO.CO, Marlène Mocquet, Gilles Miquelis, Till Guillaume Bresson, Guillaume Bresson, Léopold Radus, Fabien Mérelle, Adrien Jung-Yeon Min, Guillaume Bresson, Jérôme Zonder, Stéphane Pencréac’h, Marlène Mocquet, Edgardo Navarro, Axel Pahlavi, Aurélie de Heinzelin,
Comme chaque printemps, le Musée Paul Valéry de Sète nous fait découvrir 4 artistes . Un des 4 est Alain Campos.
ALAIN CAMPOS
Les jeux d’eau, 2019. Acrylique et huile sur toile. 150 x150 cmLa Vague, 2020. Acrylique et huile sur toile. 180 x 300 cmL’épicier. 2019. Acrylique et huile sur toile. 150 x150 cmConnectée (silence). , 2021. Acrylique et huile sur toile. 180 x150 cmCarl/esc. (télétravail), 2021. Acrylique et huile sur toile. 180 x 150 cm
.
Code image (mode binaire), 2021. Acrylique et huile sur toile. 1180 x 150 cmLes Mots Brûlés. , 2019. Acrylique et huile sur toile. 150 x 150 cmGPS code 404 (not found) 2921 . Acrylique et huile sur toile. 150 x 120 cmCame (mise à jour). 2021. Acrylique et huile sur toile. 150 x 120 cmDe la tête au pied (le mur). 2021. Acrylique et huile sur toile. 180 x 150 cmLe bourgeon, 2021. Acrylique et huile sur toile. 150 x 120 cmRéseau indisponible. (momentanément), 2021 . Acrylique et huile sur toile. 150 x 120 cmMadame Irma, 2021 Acrylique et huile sur toile. 90 x 120 cmAdam, la pomme 2021. Acrylique et huile sur toile. 120 x 90cm
Né à Casablanca, en 1955. Vit et travaille à Sète depuis 2006.
Alain Campos développe un travail sur l’humain qui oscille entre figuration, symbolisme et récit. Les vingt-quatre œuvres présentées sont issues de deux séries réalisées à deux époques différentes, l’une en 2019 et l’autre en 2021. Toutes les deux montrent la figure humaine tantôt incrédule, tantôt angoissée, tantôt impavide.
Si les peintures de 2019 sont des références directes aux maîtres anciens, Rembrandt, Manet, Hokusai…, celles de 2021 évoquent la période du confinement durant laquelle le numérique est devenu l’un des modes de la rencontre avec l’autre. Donnant à ses peintures des titres comme Blue Light, Réseau indisponible (momentanément), Saturation, Alain Campos illustre avec habileté nos nouvelles et maladroites habitudes de vie comme le télétravail, les jeux en ligne, la localisation, les connexions difficiles, selfie…
Musée Paul Valéry, Alain Campos, exposition 4 par 4.
Musicien, CharElie Couture musicien, est aussi un plasticien, il présente « Peintures, objets, œuvres choisies » à l’Espace Feuillade à Lunel, une exposition qui nous présente son travail qui n’est pas seulement les streets NYC qu’ il nous avait montré à Séte.
NYC. Building. Aquarelle encre papier
Voilà comment il définit sa pratique ,
« C’est à l’art ce que le triathlon est au sport. Je me réalise autant dans l’écriture que dans les arts visuels et la musique. Le grand public connaît mieux le chanteur car c’est ainsi que l’on me présente depuis quarante ans. Mais l’art et l’écriture font autant partie de ma vie. Tout cela est « mélangé », ce sont des vies en parallèle, qui se complètent. « Le multisme, c’est le choix du non-choix », comme j’aime le définir »
Bâche peinte. 4. – 2. Mètre NYC. Street. Rimbaud Arthur Covid p19. Peinture 27 x 19. 2020Rimbaud – Arthur. & the Bridge. Peinture. 27 & 19. cm. 2020La montagne. 135. 85. cm. 2018. NYC. Street N°2Chambre d’hôtel. collage peinture. 54. 65.cm. 1986Limited Time Only. Sur affiche publicitaire. 91. 71 cm. 1986MIRJ. 98. 98 cm. 2016
A la galerie Réservoir de Séte une rétrospective de Andrée Vilar.(1916 2009).
Moins connue que son mari, Jean Vilar, homme de théâtre, elle représente bien cette génération d’artiste déconstruisant la forme mais gardant les volumes et les couleurs, jouant sur la composition afin de donner un sens qui tient quand même au réel . Ce courant artistique nommée “ les très modernes» ( Jean Louis Pradel) a eu une notoriété dans les années cinquante/soixante. Ni avant garde, ni traditionnel, ni en rupture de la peinture, entre abstraction et figuration. On devine ici par la rondeur des courbes des corps, les aplats de couleur, le plaisir simple de représenter un environment symbolisé entre reflet et ligne.
Dans l’exposition sont présentés dessins et peintures, mais aussi des tapisseries. Il y a aussi quelques céramiques car sa sœur Valentine Schlegel a fait sa carrière dans la céramique d’art, et elles ont travaillé ensemble.
Ceramic bottle figure – Valentine and Andrée Schlegel Vilar 1960Plat forme libre (1956)
Il est présenté dans cette rétrospective ses premières peintures.
Nature morte 1940/45?
Je ne peux pas écrire les titres et dates, car au moment où j’ai vu cette exposition, il manquait encore des étiquettes informatives.
1970
Et des tapisseries.
Narcisse. Tapisserie 132/171 cm. Tapisserie. Icare 156/194 cm Atelier Saint-Cyr. 1970 Aubusson Tapisserie. 1,5 /1,5 m. Leda et le cygneTapisserie. 2. /1,30 mTapisserie. 2. /1,30 m. La femme sableTapisserie. 2,5 1,30 m
Et les tableaux avec beaucoup de reflets
Sur le web d’autres exemples !
Avant l’orageAffiche exposition 1974 Andrée Vilar tapisseries galerie La Demeure Paris
le portrait de cette femme nous est donné:
Hommage
“ Véritable voyage à travers le temps, retraçant la vie d’une femme, illustratrice, peintre, dessinatrice et poétesse.
Femme poète, illustratrice, peintre, dessinatrice, Andrée Vilar laisse une œuvre méconnue, importante et diverse dont plus d’une cinquantaine de pièces seront présentées au Réservoir à Sète. Un voyage à travers le temps pour faire la lumière sur une artiste discrète et passionnée.
Cette(re)découverte est le fruit d’un travail d’inventaire familial (réalisé en majeure partie par sa petite fille Clémence et son fils Christophe). Et met en évidence une œuvre foisonnante de gravures, pastels, encres, dessins et tapisseries… Autant de supports présents tout au long de son évolution artistique.
En hommage à cette artiste disparue en 2009, une cinquantaine de ses œuvres, tapisseries et papiers, seront présentées au Réservoir à Sète. Véritable voyage à travers le temps, retraçant la vie d’une femme, illustratrice, peintre, dessinatrice et poétesse.
Les encres des années 1960 sont représentatives de son monde imaginaire, très influencé par ses racines méditerranéennes. On y retrouve les oiseaux marins, le vent, les nuages, des corps de femmes, le soleil, les barques et très souvent la mer.
Plus tard, la douceur de ses gouaches, dans lesquelles les corps tout en courbes et baignés dans une harmonie de tons si délicats, font penser au silence de la contemplation. On retrouve dans ses différentes productions, tous supports et techniques confondus, la même atmosphère que dans ses recueils de poésies.
La mémoire de l’environnement est toujours présente, ainsi que le souvenir de Sète, sa ville natale.
Une exposition sur un peintre de la fin du XIXe et du début du XXe siècle, cette époque que le musée de Lodève aime bien présenter dans ses expositions : Jean Francis Auburtin 1866 / 1930.
L’exposition ne montre pas le peintre décorateur qui a réalisé le plafond de la salle à manger du recteur de la Sorbonne, ou l’amphithéâtre de zoologie de la faculté ou des photos du plafond du restaurant le Train Bleu à la Gare de Lyon .
Décorateur de bâtiments publics, Jean Francis Auburtin développa aussi une pratique du paysage pur qui le conduisit, sur les traces de Claude Monet, à peindre inlassablement le littoral français.
L’exposition ne présente que ses tableaux pour montrer l’évolution de ce peintre décorateur.
Sous le commissariat d’Ivonne Papin-Drastik, directrice du Musée de Lodève, l’exposition « Jean-Francis Auburtin, un âge d’or » rassemble une centaine d’œuvres de ce portraitiste de la nature »
Les différentes époques présentées correspondent à ces influences qui ont jalonné sa carrière.
Le japonisme qu’il revendiquait comme inspiration par le traitement du trait encre est présent dans certains de ces tableaux.
Une série sur la normandie :
Vers Vargenvilles. 1895. Goulphar. reflets jaunes. Gouache, fusain et crayon. L’aiguille d’Etretat. Ciel Rouge. Gouache sur papier. 1899 . Etretat. Gouache sur papier. 1898Etretat. Vue plongeante sur l’aiguille. Bateaux rentrant. Gouache sur papier. 1898. Gouache sur papier Madame Auburtin au bord de la mer Huile sur carton 1895.
« Auburtin pratique la gouache et l’aquarelle en virtuose. Sa persévérance à comprendre le paysage et les fluctuations de la lumière s’expriment dans l’élaboration de séries, procédé qu’il emprunte tout aussi bien à Monet qu’aux grands maîtres de l’estampe japonaise. À la façon d’un Hokusai français, et autres estampes japonaise dont il faisait collection. Auburtin pratique la gouache et l’aquarelle en virtuose. »
Les Pyrénées
Pyrénées, pic de Béhorléguy Gouache sur papier. Pyrénées. Aigles. Gorges d’Archambault. Gouache sur papier. Pic de Behorlèguy. Soir. Gouache sur papier. Sud-Ouest. Pins, Ciel Rose. Vers 1898 Gouache et fusain sur papier
Et la Méditerranée.
Porquerolles. Calanque du Brégançonnet. Aquarelle +. Encres. 1898Rochers Fauves Porquerolles. Huile 1894La Grand-Cale á Porquerolles. 1896. Gouache sur papierMéditerranée. Paysage à la vasque, pins et cyprès. Gouache sur papier gris
Naïades.
« Le peintre des naïades blondes et des mers d’azur est l’image qu’il donne à son époque. »
Chants sur l’eau. Huile sur toileDeux baigneuses aux voiles de Porquerolles. 1902. Huile et encreTrois grâces à Porquerolles. 1902. Huile sur toileNymphes à la conque et étoiles de mer. 1912. Huile sur toile.
Revenons à ces paysages
Belle-Île-en-Mer. Effet de nuages. 1896. Gouache sur papier
Belle-Île-en-Mer. Poésie sur le Domois. 1896. Gouache sur papier
.
Il est présenté sur le site du musée Giverny (. midg.fr.). Comme suit:
Auburtin se fait une spécialité des marines décoratives où nymphes et naïades peuplent des paysages inspirés des rivages méditerranéens. Maurice Denis le surnomme « le peintre des naïades blondes et des mers d’azur ». La critique reconnait en lui un héritier de Pierre Puvis de Chavannes, le grand décorateur qui fut l’un des modèles de la génération symboliste.
De Porquerolles à Varengeville
Auburtin pratique aussi la peinture sur le motif. Au cours de ses nombreux voyages, il décrit inlassablement le littoral français, que ce soit à Porquerolles, à Belle-Île, où il séjourne à de nombreuses reprises, ou sur la côte normande : à Étretat, et à Varengeville, où il s’établit en 1907. Il excelle dans l’emploi conjugué de la gouache, de l’aquarelle et du fusain.
Les sites qu’il choisit de peindre sont souvent similaires à ceux représentés dix ou quinze ans plus tôt par Claude Monet, dont Auburtin avait découvert le travail pendant ses études, probablement à l’occasion de l’exposition que la galerie Georges Petit consacra à Claude Monet et Auguste Rodin en 1889. En 2019, le musée des impressionnismes Giverny fait dialoguer les œuvres de Jean Francis Auburtin et de Claude Monet, dans l’exposition « Monet – Auburtin. Une rencontre artistique », et présente ainsi deux regards différents portés sur les mêmes paysages.
Jean Francis Auburtin, Musée de Lodève, Porquerolles, Naïades, japonisant,
Visite de ce musée à l’occasion d’une rétrospective sur l’œuvre de Eliot Vincent. Un des premiers directeurs du musée des Beaux-Arts de Nîmes en 1917.
1- Eliot Vincent. 1868-1945
Journaliste et caricaturiste, ce montpelliérain a fait carrière à Nîmes. Il fût professeur et directeur de l’école des Beaux Arts et conservateur du musée des Beaux-Arts.
Un peu de paysage.
Des dessins de gens simples
Et des caricatures de parlementaires
Et peintre
Le lou e lou chien. Le loup et le chien 1927
2- Extrait de la collection permanente du musée.
Le musée a une collection de peinture du XVII au début XX siècle.
Vierge en prière. De Giovanni Batista Salvi dit Il Sassoferrato. Rome 1685Portrait de Paolo Gerolamo Franzone. De Gio Enrico Vaymer. Gènes 1687 Tête de bœuf de Jan Asselin. Amsterdam 1652Nature morte au vase. Cornelis de HEEM. Anvers 1695Autoportrait. Jacques François Délayent. 1714Orage. De Jules Laurens. 1880
Jules Joseph Auguste Laurens, 1825 /1901, est un peintre et lithographe français qui a un autre tableau au musée de Montpellier.
Jules. Laurens. . La Mosquée bleue à Tauris (1872)
Un peu éclectique comme présentation, mais il a dans ce musée , ce que Eliot Vincent aimait à transmettre, le plaisir de peindre, et une histoire de l’évolution des tableaux depuis le XVII ème siècle dont je n’ai pas montré ici tout les tableaux, et de la grande mosaïque romaine au centre du musée.
Musée des Beaux Arts de Nîmes, Albert Eliot Vincent, Sassoferrato, Jules. Laurens, Jan Asselin, caricature, dessin.
Au salon Solid’Art, les artistes d’un territoire vendent leurs œuvres et collectent des dons pour soutenir les actions de solidarité du Secours Populaire .
A Montpellier fin septembre, il y avait du monde dans les allées, beaucoup d’artistes que l’on connaît et une découverte : ce peintre: Sadik Farabi.
Une œuvre étonnante dans l’ équilibre entre forme et figure, couleur et signe, peinture, collage et traits et déchirures.
Et pour vous faire partager le plaisir de découvrit ses peintures, ci dessous quelques exemples.
Comme le dit Fabien Lasco à propos du travail de Sadik Farabi
« Le chemin qui va de moi à moi fait le tour du monde » dit Keyserling.
La peinture de sadik FARABI exprime elle aussi et sans détour une quête identitaire : le parcours d’un monde à l’autre, l’expérience d’un voyage – d’abord individuel – comme télescopage des temps et des lieux. Est-ce le résultat d’une histoire personnelle et familiale, celle qui nous amène depuis le Sahara, à Rabat puis Montpellier ?
Traduisant inlassablement dans sa peinture les emprunts à la musique et aux rituels gnaouas, Subsahariens ; aux couleurs qui ne manquent pas d’évoquer le Maghreb, celui d’un monde nomade oublié à un monde urbain omniprésent, mais aussi plus intimement, la cuisine aux couleurs et saveurs elles aussi bigarrées. Pareils aux grains de sables disséminés dans l’œuvre de l’artiste, ces traces fabriquent un univers unique…..”
Sans titre. Technique Mixte, acrylique, collage sur toile. 120/40 Petit urbanisme. Sans titre. Technique Mixte, acrylique, collage sur toile. 50/25. 2015Lire. . Technique Mixte, acrylique, collage sur toile. 50/25. 2015Sans titre. Technique Mixte, acrylique, collage sur toile. 50/46.cm. 2015Sans titre. Technique Mixte, acrylique, collage sur toile. 73/60 cm. 2015
Épure et forme, symbole et expression, signes et cadre, son travail est personnel, il a trouvé un language qui passe au dessus des cultures picturales, pour laisser en nos mémoires des traces d’une réalité.
« l’occasion des vingt ans du MIAM, deux expositions sont à découvrir : Forever MIAM qui retrace l’histoire du musée depuis sa création en 2000 et Psychédélices qui présente des œuvres d’artistes français influencés par le mouvement psychédélique. Le terme psychédélique apparait en 1957 grâce aux recherches de l’écrivain Aldous Huxley et le psychiatre Humphrey Osmond qui définissent ce terme comme tout état relatif à la prise de psychotropes aux effets hallucinogènes. Dès les années 70, de nombreuses recherches picturales sont menées par les artistes en utilisant les substances psychédéliques comme des outils de création. L’exposition Psychédelices permet de découvrir ces œuvres étonnantes et de se pencher sur des questionnements nouveaux autour de l’utilisation de ces substances dans nos sociétés. »
Présentation du musée par Di Rosa Territoire de l’art modeste par Di Rosa.
VALERIO ADAMI est une des figures de ceux que l’on appelle la nouvelle figuration vers 1970.
Il a réussi à donner à l’art une préoccupation plus proche des gens, évitant de faire de l’art pour l’art ou en rapport au musée.
La réussite dans le cas de V. Adami (sa peinture est connue dans le monde entier) est qu’il a dessiné sur les sujets très divers reconnaissables pour le public.
Il a su créer et garder un style graphique qui lui est propre, dans ce language qui est plus du dessin que de la peinture. Par ses sujets et le choix des symboles qu’il utilise, il est toujours resté dans la perspective des grands peintres qui donnent une image de leur temps.
Et il a multiplié les sérigraphies pour rendre accessible en prix ses tableaux.
Les briscarts est le nom du collectif d’artistes qui font visiter leur atelier deux ou trois fois dans l’année.
Ces visites d’atelier d’artiste de Montpelier est toujours source de découverte.
Commençons par Elisabeth GIRARD.
Sa peinture évolue, mais elle garde toujours ses natures mortes aux bouteilles qui font penser à Morandini et ses fruits et légumes que j’aime dans leur simplicité.
Philippe Bé se définit maintenant comme un Illustrateur – Graphic- designer.
Je l’ai connu dans PAO et la communication, il trouvait toujours des idées originales d’objets à réaliser pour ses clients. Et, depuis quelques années le style de son graphisme a changé , moins de feutres plus de couleurs et de profondeur. Il est revenu à ses préférences Le dessin d’illustration .
Très minimalistes, elle développe un travail mêlant lumière, matière en rapport à l’espace vu où perçu, cherchant à trouver un équilibre tout en finesse dans la composition.
A la galerie Samira GAMBIE, on retrouve les peintures à l’huile de Clara Bryon découvertes à la salle Saint Ravy en 2019.
