A La Chapelle haute de Séte, une exposition de Claudie Dadu, cette artiste qui a choisie de ses cheveux comme médium
Ses dessins ou le trait est réalisé avec ses cheveux,
une mise en scène de sculptures est réalisé en céramique ou porcelaines blanche. Sur celles-ci le cheveu joue la cassure.
S’ils sont installés sur des éléments en céramique blanche, ils jouent les fêlures en trompe l’œil rappelant, entre autres, une pratique japonaise « Kintsugi » qui consiste à insérer de l’or dans les fissures d’un bol recollé, Ils renvoient également au lexique des professionnels de la céramique, de la porcelaine ou de la faïence qui appellent une fine fissure « un cheveu ».
“ la quête du subtil reste au cœur de mes recherche, Subtil du latin ( sub tela ) ce qui se cache sous la toile, du fil de la trame au jeu des entrelacs , en passant par les fils des Parques , ou encore par le fil d’araignées. Ici la fin est matérialisée par le cheveu : ce qui se cache est matérialisé par ce qu’il rélève.”
Naturellement pour en savoir plus sur Claudie Dadu. On aller peut voir son site
“Après l’école”, la deuxième biennale Artpress des jeunes artistes a exposé à Montpellier d’octobre à décembre.
Trois lieux ont été mobilisés pour accueillir des œuvres de 32 artistes, diplômés des écoles d’art publiques françaises et engagés dans une carrière artistique : La Panacée, le Musée Fabre et l’Espace Bagouet. Ces artistes ont été choisis par un comité de sélection présidé par Albert Serra et composé de Jacques Bayle (Ministère de la Culture), Rahmouna Boutayeb et Numa Hambursin (MO.CO.), Michel Hilaire et Maud Marron-Wojewodzki (Musée Fabre), Aurélie Cavanna, Étienne Hatt, Richard Leydier, Catherine Millet (artpress), Romain Mathieu et Louise Vendel (artiste, exposée lors de la 1ère édition de la biennale).
Difficile de résumer, je vais faire juste une présentation de quelques exemples de cette génération mais souvent cela demande des explications pour comprendre l’intention, même au premier degré.
Tous les dessins ont été numérisés et fabriquent le décor d’une scène en 3D projetée dans laquelle le regardeur que nous sommes se déplace .
L’abri bus est transformé en boîte de nuit.
Bref, de la matière, des images, du sens et contresens pour nos établissements d’Art contemporain à venir. Pour le public pas de révolution, mais un retour vers des compostions avec plus de peinture et de matière.
La maison des consuls, petit musée du village Les Matelles, au nord de Montpellier, présente cet été une exposition intitulée « carnets d’inspiration » où le médium principal est le dessin.
le fil, le trait, le dessin
Avec la participation des artistes : Abdelkader Benchamma, Laure Boin, Chloé Dugit-Gros, Pablo Garcia, Chourouk Hriech, Ganaëlle Maury, Floriane Saint-Sébastien et Charles Serruya.
« Cette proposition artistique collective, conçue tel un livret que l’on feuillète, vous plongera au cœur des univers de ces artistes dont les gestes s’inventent et se déploient trait par trait jusqu’aux murs, parfois même au sol, de manière à prendre totalement possession du lieu. Véritable immersion dans la scène contemporaine, la plupart les œuvres ont été réalisées spécialement pour l’exposition. »
Commençons par , Ganaëlle Maury, bien connue des gens de Montpellier.
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Ganaëlle Maury, série de dessins in situe, encre noire sur papier.
-Ganaëlle Maury
Ganaëlle Maury, série de dessins in situe, encre noire sur papier.
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Ganaëlle Maury, série de dessins in situe, encre noire sur papier.
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Ganaëlle Maury, série de dessins in situe, encre noire sur papier.
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Chloé Dugit-Gros présente cette tapisserie réalisée en tufetage.
Le tuftage est réalisé ici avec une machine ou pistolet à tufter. Des bobines de fil alimentent des aiguilles qui piquent les touffes à travers le dossier primaire. ( le résultat présenté est étrange pour moi)
« Looking for a story » tapisserie en laine tuftée. 160/ 200
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Abdelkader Benchamma occupe 2 ou 3 salles et continue toujours ses dessins qui débordent sur les murs.
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Abdelkader Benchamma. Encre sur papier. 65/50. 2009
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Abdelkader Benchamma. Encre sur papier. 65/50. 2009Abdelkader Benchamma. Encre sur mur . In situ
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Et Abdelkader Benchamma comme au CRAC continue à nous présenter ses retouches sur les gravures de Gustave Doré.
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Abdelkader Benchamma. & G Doré Encre sur papier. 50/60
Abdelkader Benchamma. & G Doré Encre sur papier. 50/60 cm
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On a découvert les grands dessins de Laure BOIN. Pour l’exposition, elle nous montre un travail et une installation sur la mue des cigales.
Laure BOIN, Imaginales. Mues de cigales, perles cordes à pianoLaure BOIN. L’œil de Caïn mines de plomb sur papier. 100/120.
Laure BOIN nous montre un triptyque qu’elle a intitulé Lost & found.
Laure BOIN. ( Lost & found 2 ). L’échapée belle mines de plomb sur papier. 169 /122Laure BOIN. ( Lost & found 2 ). Eve. mines de plomb sur papier. 169 /122Laure BOIN. ( Lost & found 2 ). Adam mines de plomb sur papier. 169 /122
Il y avait aussi les dessins du marseillais Chourouk Hriech entre bd et croquis qui se veulent comme une promenade dans l’espace et le temps.
Comme chaque printemps, le Musée Paul Valéry de Sète nous fait découvrir 4 artistes . Un des 4 est Alain Campos.
ALAIN CAMPOS
Les jeux d’eau, 2019. Acrylique et huile sur toile. 150 x150 cmLa Vague, 2020. Acrylique et huile sur toile. 180 x 300 cmL’épicier. 2019. Acrylique et huile sur toile. 150 x150 cmConnectée (silence). , 2021. Acrylique et huile sur toile. 180 x150 cmCarl/esc. (télétravail), 2021. Acrylique et huile sur toile. 180 x 150 cm
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Code image (mode binaire), 2021. Acrylique et huile sur toile. 1180 x 150 cmLes Mots Brûlés. , 2019. Acrylique et huile sur toile. 150 x 150 cmGPS code 404 (not found) 2921 . Acrylique et huile sur toile. 150 x 120 cmCame (mise à jour). 2021. Acrylique et huile sur toile. 150 x 120 cmDe la tête au pied (le mur). 2021. Acrylique et huile sur toile. 180 x 150 cmLe bourgeon, 2021. Acrylique et huile sur toile. 150 x 120 cmRéseau indisponible. (momentanément), 2021 . Acrylique et huile sur toile. 150 x 120 cmMadame Irma, 2021 Acrylique et huile sur toile. 90 x 120 cmAdam, la pomme 2021. Acrylique et huile sur toile. 120 x 90cm
Né à Casablanca, en 1955. Vit et travaille à Sète depuis 2006.
Alain Campos développe un travail sur l’humain qui oscille entre figuration, symbolisme et récit. Les vingt-quatre œuvres présentées sont issues de deux séries réalisées à deux époques différentes, l’une en 2019 et l’autre en 2021. Toutes les deux montrent la figure humaine tantôt incrédule, tantôt angoissée, tantôt impavide.
Si les peintures de 2019 sont des références directes aux maîtres anciens, Rembrandt, Manet, Hokusai…, celles de 2021 évoquent la période du confinement durant laquelle le numérique est devenu l’un des modes de la rencontre avec l’autre. Donnant à ses peintures des titres comme Blue Light, Réseau indisponible (momentanément), Saturation, Alain Campos illustre avec habileté nos nouvelles et maladroites habitudes de vie comme le télétravail, les jeux en ligne, la localisation, les connexions difficiles, selfie…
Musée Paul Valéry, Alain Campos, exposition 4 par 4.
Musicien, CharElie Couture musicien, est aussi un plasticien, il présente « Peintures, objets, œuvres choisies » à l’Espace Feuillade à Lunel, une exposition qui nous présente son travail qui n’est pas seulement les streets NYC qu’ il nous avait montré à Séte.
NYC. Building. Aquarelle encre papier
Voilà comment il définit sa pratique ,
« C’est à l’art ce que le triathlon est au sport. Je me réalise autant dans l’écriture que dans les arts visuels et la musique. Le grand public connaît mieux le chanteur car c’est ainsi que l’on me présente depuis quarante ans. Mais l’art et l’écriture font autant partie de ma vie. Tout cela est « mélangé », ce sont des vies en parallèle, qui se complètent. « Le multisme, c’est le choix du non-choix », comme j’aime le définir »
Bâche peinte. 4. – 2. Mètre NYC. Street. Rimbaud Arthur Covid p19. Peinture 27 x 19. 2020Rimbaud – Arthur. & the Bridge. Peinture. 27 & 19. cm. 2020La montagne. 135. 85. cm. 2018. NYC. Street N°2Chambre d’hôtel. collage peinture. 54. 65.cm. 1986Limited Time Only. Sur affiche publicitaire. 91. 71 cm. 1986MIRJ. 98. 98 cm. 2016
Depuis un quart de siècle, l’histoire mondiale du jeu vidéo s’écrit en partie dans les studio d’Ubisoft à Montpellier; une exposition nous montre des dessins originaux, croquis qui ont servi aux créations des jeux d’Ubisoft.
Derrière la création des Lapins Crétins, il y a des gens, un territoire et, une personne .
Car c’est sous la houlette de Michel Ancel, et de toute son équipe que ce Franco-monégasque qui est entré chez Ubisoft à 17 ans, que le studio montpelliérain a sorti dès ses débuts quelques-uns des personnages de jeu vidéo les plus célèbres au monde, comme Rayman (1995) et les Lapins Crétins (2006). Il y a aussi l’adaptation du film « King Kong » de Peter Jackson et le titre d’aventure « Beyond Good and Evil ».
Michel Ancel s’est retiré en 2020, à 48 ans, de l’industrie du jeu vidéo.
Si l’aventure se poursuit sans lui, « Ubisoft, une Odyssée montpelliéraine” c’est grâce à lui .
Dans cette exposition, 7 licences Ubisoft Montpellier sont présentées, des jeux incontournables et indémodables :
• 1. Rayman, créé en 1995, tout premier jeu vidéo du studio montpelliérain.
• 7. Beyond Good and Evil2, actuellement en cours de développement.
Cette exposition est l’occasion de faire découvrir aux visiteurs le savoir-faire du studio à travers 160 œuvres, dont 50 créations originales (dessins et croquis faits à la main), pour un total de 4 000 contenus.
Sont également disposées des statues en taille réelle à l’image des personnages.
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Ubisoft, Beyond Good and Evil, Soldats Inconnus, Lapins Crétins, From Dust, Rayman, ‘Ubisoft à Montpellier, Michel Ancel.
A la galerie Réservoir de Séte une rétrospective de Andrée Vilar.(1916 2009).
Moins connue que son mari, Jean Vilar, homme de théâtre, elle représente bien cette génération d’artiste déconstruisant la forme mais gardant les volumes et les couleurs, jouant sur la composition afin de donner un sens qui tient quand même au réel . Ce courant artistique nommée “ les très modernes» ( Jean Louis Pradel) a eu une notoriété dans les années cinquante/soixante. Ni avant garde, ni traditionnel, ni en rupture de la peinture, entre abstraction et figuration. On devine ici par la rondeur des courbes des corps, les aplats de couleur, le plaisir simple de représenter un environment symbolisé entre reflet et ligne.
Dans l’exposition sont présentés dessins et peintures, mais aussi des tapisseries. Il y a aussi quelques céramiques car sa sœur Valentine Schlegel a fait sa carrière dans la céramique d’art, et elles ont travaillé ensemble.
Ceramic bottle figure – Valentine and Andrée Schlegel Vilar 1960Plat forme libre (1956)
Il est présenté dans cette rétrospective ses premières peintures.
Nature morte 1940/45?
Je ne peux pas écrire les titres et dates, car au moment où j’ai vu cette exposition, il manquait encore des étiquettes informatives.
1970
Et des tapisseries.
Narcisse. Tapisserie 132/171 cm. Tapisserie. Icare 156/194 cm Atelier Saint-Cyr. 1970 Aubusson Tapisserie. 1,5 /1,5 m. Leda et le cygneTapisserie. 2. /1,30 mTapisserie. 2. /1,30 m. La femme sableTapisserie. 2,5 1,30 m
Et les tableaux avec beaucoup de reflets
Sur le web d’autres exemples !
Avant l’orageAffiche exposition 1974 Andrée Vilar tapisseries galerie La Demeure Paris
le portrait de cette femme nous est donné:
Hommage
“ Véritable voyage à travers le temps, retraçant la vie d’une femme, illustratrice, peintre, dessinatrice et poétesse.
Femme poète, illustratrice, peintre, dessinatrice, Andrée Vilar laisse une œuvre méconnue, importante et diverse dont plus d’une cinquantaine de pièces seront présentées au Réservoir à Sète. Un voyage à travers le temps pour faire la lumière sur une artiste discrète et passionnée.
Cette(re)découverte est le fruit d’un travail d’inventaire familial (réalisé en majeure partie par sa petite fille Clémence et son fils Christophe). Et met en évidence une œuvre foisonnante de gravures, pastels, encres, dessins et tapisseries… Autant de supports présents tout au long de son évolution artistique.
En hommage à cette artiste disparue en 2009, une cinquantaine de ses œuvres, tapisseries et papiers, seront présentées au Réservoir à Sète. Véritable voyage à travers le temps, retraçant la vie d’une femme, illustratrice, peintre, dessinatrice et poétesse.
Les encres des années 1960 sont représentatives de son monde imaginaire, très influencé par ses racines méditerranéennes. On y retrouve les oiseaux marins, le vent, les nuages, des corps de femmes, le soleil, les barques et très souvent la mer.
Plus tard, la douceur de ses gouaches, dans lesquelles les corps tout en courbes et baignés dans une harmonie de tons si délicats, font penser au silence de la contemplation. On retrouve dans ses différentes productions, tous supports et techniques confondus, la même atmosphère que dans ses recueils de poésies.
La mémoire de l’environnement est toujours présente, ainsi que le souvenir de Sète, sa ville natale.
L’exposition de l’hiver à la Fondation Van Gogh à Arles nous fait toujours des surprises.
L’accrochage d’œuvres contemporaines ( Souffler de son souffle ) autour ici d’un tableau de Van Gogh a pour sujet cet année une lettre que le peintre envoie à un autre peintre: il y parle du souffle. Cela donne prétexte à trois commissaires : Bice Curiger, Julia Marchand et Margaux Bonopera, de nous montrer le travail des femmes artistes souvent un peu oubliées, accompagnées d’autres artistes souvent conceptuels, et pour rebondir, quelques repères avec Van Gogh et Hokusai.
La logique de l’exposition tient par exemple de cette sculpture présente en entrant.
Jean Marie Apprilou Le sonneur. 2021. Aluminium et verre
JEAN-MARIE APPRIOU vit et travaille à Paris (France).
“Cette sculpture d’un étrange joueur de cornemuse, réalisée pour l’exposition, fait partie d’un corpus d’œuvres inspirées par la poétique et la pratique de l’apiculture. Selon l’artiste, cette série est née d’un souffle que vient traduire la présence d’un chapeau de verre dont la forme interpelle, réplique de celui que porte le personnage de l’alchimiste dans le film La Montagne sacrée d’Alejandro Jodorowsky (1973). Le visage hiératique et les yeux clos, intérieurement guidé par la lumière zénithale de son couvre-chef/ le sonneur se pare ainsi des oripeaux d’un alchimiste guérisseur orienté vers sa quête. A l’instar du joueur de flûte de Hamelin ayant le don d’attirer animaux et êtres humains grâce à la mélodie de son instrument/ le sonneur fait vibrer le roseau de son anche pour guider les abeilles et rétablir, peut-être, un équilibre entre la nature et la cité..”
Il y a aussi cet artiste Vivian Suter: des toiles sont présentées à l’entrée et à la fin de l’exposition.
Vivian Suter. Sans titre. No date Vivian Suter. Sans titre. No date
“Suter peint dans un studio en plein air sans mur attaché à sa maison. On sait qu’elle utilise des matériaux non traditionnels dans ses peintures, tels que la colle de poisson, le matériel volcanique, le sol, la matière botanique et la peinture d’intérieur, dont certains reflètent son environnement local.”
Il y a aussi Vivian Springford.
Vivian Springford. Sans titre 1971
Les explications que nous donne la modératrice est que Vivian Springford a peint toute sa vie, mais le marché de l’art très masculin ne lui a pas permis de se faire connaître à sa vraie valeur.
Quelques références de l’art contemporain des années 1960.
Hans Haacke. Voile bleue. 1965. Piero Manzoni. Corps d’air N°6. 1960
L’artiste Piero Manzoni a réalisé 45 exemplaires de cet installation qui permet ainsi de mettre à la disposition de l’acquéreur le souffle de l’artiste enfermé dans le ballon.
C‘est cet œuvre “souffle d’artiste “ qui donne le ton de l’exposition car dans sa lettre Vincent Van Gogh dit “. Le fait est que nous sommes des peintres dans la vie réelle et qu’il s’agit de souffler de son souffle tant qu’on a le souffle “.
Joyce Pensato. Mickey bleu. 1998. Hans Hartung. T1988-E12. 1988.
D
La petite Sirène. 1990. De Rebecca Horn. (Plume. moteur et tige métallique )
Des dessins du botaniste F. Hallé sont présentés, la relation avec le souffle doit être le fait qu’il a crée un radeau au dessus du souffle des arbres pour les étudier?
Et un livre du début du XX siècle reproduisant une publication de Hokusai.
D’autres pièces nous font revisiter les moments de l’art contemporain des années 1970 /80.
et le tableau de Van Gohg
Vincent Van Gogh. Papillon de nuit géant Saint Rémi de Provence. 1889.
Il est à noter que ces expositions art contemporain tiennent de plus en plus de la logique des curateurs qui nous proposent une lecture de l’art, ici cela ne m’a pas coupé le souffle .
Le dessinateur illustrateur Olivier Bonhomme a été choisi pour réaliser une interprétation graphique du lancement par Ariane V du télescope spatial James Webb.
2020. Ariane et télescope James Webb
On connaît ses dessins car souvent il est illustre un article du journal Le Monde. Il représente cette nouvelle génération d’illustrateur que ce soit par l’imaginaire ou le traitement du dessin avec l’utilisation du numérique comme outil pour compléter leurs créations.
Il ne nous est pas inconnu à Montpellier. Il avait réalisé l’affiche de la comédie du livre en 2021.
Parmi des illustrations pour le journal “ le monde “.
Enquête. 10/12. 2014.
Déjà en 2010, il dessinait en noir et blanc.
Fresque murale à Brest en 2011Pour le journal Le monde 2012Le Monde – Economique – Illustration « La Course. 2013Le Monde – Supplément Eco. 10/20142014. TaHE ENCYCLOPEDIA OF UNUSUAL AND WEIRD ANIMALS » avec 36 autres artistes pour la Nuit des musées au Musée d’Histoire Naturelle de Bruxelles… l’encyclopédie imaginaire.2019. Washington Post.
Et d après le tableau E. Delacroix. On reconnaît les dessinateurs de presses Plantu O Bohomme etc…
JE SUIS CHARLIE. Janvier 2015Supplément Style Washington Post Editorial 2015
Sachant qu’il doit ètre un passionné de Jazz
Dans la série Zakarie.
Mais c’est surtout un des meilleurs illustrateurs du moment, car il reflète bien notre époque.
De plus il adore le Jazz et il a illustré beaucoup d’événements.
Illustration sur Bill Evans Jungle Tram. Dans le projet Journey to New Orleans.
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Bébé. Série Zacharie – Giant BearOlivier Bonhomme – Salammbô 2.0 – technique mixte, tirage unique sur dibond – 74 x 110 cm
Stéphane Gétas alias Spig Linocutfactory, est un artiste illustrateur reconnue pour les gravures , il presenté sur le site BDG. : « il est illustrateur freelance depuis 1999 et vit et travaille à Bordeaux. Son médium de prédilection est la linogravure, un procédé d’estampe artisanal apparenté à la gravure sur bois. Ses illustrations sont entièrement gravées et imprimées à la main. Passionné par la musique, la mécanique, la Nature, les sciences et l’espace, Spig interroge dans ses gravures l’ordre et le désordre du monde avec humour et férocité. Son éclectisme se traduit par la diversité des ses collaborations : on retrouve ses illustrations sous forme d’affiches (cinéma, concert, évènementiel), de publicités… Parallèlement , il anime des ateliers d’illustration et de linogravures ». A la Galerie Arterosa de Montpellier où il a laissé des linogravures à découvrir .
Au hazard d’une recherche, découvrir une artiste par son style de graphisme.
Simple, graphique, en découpage ou linogravure, Olivia de Bona a cette facilité du dessin qui nous fait penser en style aux artistes artisans des années 1930 . Elle est invitée a réaliser des fresques dans la France entière.
Diptyque réalisé en linogravure
Extrait de sa page Instagram
En 2016 elle réalise un livre en linogravure. L’heure de la sieste
Le Fridge comédy. Room
Et des bijoux avec un air 1930
Réalisé pour la journée internationale de lutte contre les violences faites aux femmes.
Autres projets’
Abat jour Boîte lumineuse
En 2015. Olivia de Bona a participé : A AUX TABLEAUX ! : L’ART ÉPHÉMÈRE PREND UNE ÉCOLE D’ASSAUT. Réunissez 40 artistes internationaux, enfermez-les 4 mois dans une école de 4500m2 du XVIIIe siècle et vous obtenez une exposition totalement atypique en plein centre de Marseille. En fait il n’y a pas de tableau car les tableaux c’est les murs, la cours et même le préau.
Et l’artiste réalise aussi des fresques sur les murs.
Sur le site de Seine Saint Denis Tourisme, une présentation de l’artiste. « Olivia de Bona est née en 1985. Après avoir obtenu un diplôme en Arts Appliqués et en Cinéma d’Animation, elle rencontre le collectif 9e Concept avec Romain Froquet et Lapinthur.
Olivia Bona & Lapin Thur Paris 2018
Olivia de Bona, se distingue par son univers riche et imagé, proche de l’illustration. L’ensemble de son œuvre fait écho à notre imaginaire d’enfant : ses personnages étranges et élégants, sorte de bataillons fantastiques, se croisent, se mêlent et vont se fondre dans le décor comme dans un rêve.
À mi-chemin entre les dessins animés de notre enfance et les contes populaires, Olivia nous maintient entre deux mondes, entre la douceur de nos souvenirs et leurs recoins les plus sombres, là où sommeillent nos profondes angoisses et nos sombres désirs.
Outre sa participation à de nombreux événements de street art durant lesquels elle réalise des fresques, elle illustre des livres pour enfants comme Go ! Kiki Go !.
C est intéressant de voir la multitude de supports et activités que réalise une artiste très active dans sa vie sociable.
A La Chapelle Haute de Sète une exposition sur le dessin est présentée comme chaque année. Un plaisir car la diversité et la personnalité sur le fond comme sur la forme de chaque réalisation donne à l’ensemble un plaisir de voir et découvrir.
Très féminine cette année 20 participantes et 5 hommes.
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Stéphanie Saint MartinGravure sur bois 50/65 cm
Stéphanie Saint Martin Sans titre. Gravure sur bois 50/65 cm
Jihane khalife. Série Album N°1
Jihane khalife. Série Album N°1
Suzy Lelièvre. Crayon 2. 2017
Stéphanie Marjoral Coucher de soleil. Crayon de couleur 2019 Nina Haab. Vue sur Jersey. Crayon sur papier. 2019. Raphaël Kuntz. Le cumulonimbus. Feutre et stylo sur papier 2019Djémila Capucine Behamza. Atarizakti/ mise en abîme de l’ombre et filigranes. 2020. Céramique et crayon
1011. Le nouvel ordre mondial. Dessin crayon de couleur 2020Marie Claire Esposito Vertiges 2020. Feuille de porcelaine plus verre
Julie Monet La mémoire du visible Amérique du Sud 2020 broderie 60/70cm
Jihane khalife, Stéphanie Saint Martin, Suzy Stéphanie Marjoral, Nina Haab, Djémila Capucine Behamza, Raphaël Kuntz, Marie Claire Esposito, Julie Monet,
A la galerie François Xavier à Montpelier une exposition sur Nubian et un autre artiste : Bom.K. Celui-ci, venant et continuant le street art, a déjà une réputation internationale.
Une vraie découverte.
Dominant. 18 x 29,5 cm crayon sur papierPolice. Sérigraphie. 2019. Papier à Musique. /. Dessin au crayon et acrylique sur anciennes partitions Scotch Banana. Estampe numérique 225/225 cm. Sur canson 350 gr MikeyUrbaran Kontorsion. 130/87 cm. 2019. Acrylique et Aérosol Magicien Oze. . Estampe numérique 225/225 cm. Sur canson 350 grFermeture. . Dessin crayon
Au delà des sujets qui sont forcément un peu provocateur, sa maîtrise au crayon, l’acrylique, l’aerosol, petits et très grands formats, est forte. Et le choix de ses sujets est une vrai reflection que nous pose le regard d’un artiste sur son environnement qui dépasse celle d’un Francis Bacon ou d’autres artistes enfermés dans leurs cultures pour le musée.
Déjà dans médiapart le 17 JANVIER 2014
Les grisailles de Bom.k traversent les frontières. Membre du crew de graffiti DMV (Da Mental Vaporz), l’artiste français s’est imposé avec son style torturé, couché sur mur ou sur toile, à la bombe de peinture. Un an après Vertiges et Somnolence – première exposition personnelle –, Bom.k continue de peindre des muraux XXL et collectifs, des zones abandonnées, tandis que son travail d’atelier est consacré à la Known gallery de Los Angeles,
Et sur Le Bien Public est écrite cette présentation.
L’artiste brestois Bom.K a fini son œuvre sur le MUR de Dijon, à l’angle des rues d’Assas et Jean-Jacques Rousseau. Intitulée “Honneur”, elle restera trois mois sur la surface d’exposition. Elle représente une vision de Marianne.
2019. Ce projet est porté par l’association Zutique Productions, en collaboration avec la Ville de Dijon
Qui est Bom.K ?
Né dans la banlieue sud de Paris en 1973, Bom-K réside actuellement à Brest (Finistère). À 17 ans, il adopte son pseudonyme, diminutif de Bombing Killa. Artiste de l’art urbain, il manie la bombe et le pinceau pour réaliser tags, flops et fresques, mais aussi des illustrations et esquisses réalisées au crayon. Ses œuvres se présentent en tons monochromes, noir et blanc, froids, à la limite du morbide, que l’on retrouve à Brest, Paris, Nantes (Loire-Atlantique) ou encore Marseille (Bouches-du-Rhône
…….. Bom.k développe depuis 2005, un travail en atelier aussi exigeant et total que ses productions extérieures. Equipé de crayons, d’aérosols, d’acrylique et d’une kyrielle de produits chimiques, il s’attaque instinctivement à des toiles aussi grandes que ses fresques. Logiquement, ses oeuvres ne tardent pas à être repérées par de nombreuses galeries, en France comme à l’étranger – Europe, Etats-Unis et Asie – qui l’invitent à participer a des expositions solos ou collectives.Enfin, la sortie de son livre ‘HB Blacktrace’ aux Editions Populaires en 2007, finit d’assoir sa réputation internationale comme un des noms majeurs de la scène post graffiti, de l’illustration et de l’art contemporain.Aujourd’hui, Bom.k vit et travaille entre Paris et le nord de France.
Lucie Bitunjac présente des céramiques et Chrystèle Gonçalves des peintures qui retiennent l’attention.
Chrystèle Gonçalves présente 3 séries de tableau.
Série 1
“L’étang de Walden », diptyque”, 2019. Huile sur toile, 65 x 50 cm“L’étang de Walden », diptyque”, 2019. Huile sur toile, 65 x 50 cm
Série 2
Untilteted Oil on canvas 116 x 89 cm 2020
“Brume rouge de mars”, 2020, Huile sur toile, 50 x 65 cm. deux autres tableaux en dessous.
Le galeriste Ludovic Allabert explique que, dans l’atelier, l’artiste part d’un objet simple, ici une cerise, et fait évoluer sa composition au grès de son plaisir de peintre.
Huile sur toile 114 x 150 cm
Série 3
(Birds and crickets chirping) / (Gazouillis d’oiseaux et sons de criquets) V Huile sur toile, 146 x 114 cm
En cherchant sur le Net, on découvre que cette marseillaise a déjà réalisé quelques expositions et sa peinture évolue tout doucement vers cet abstraction expressive, comme le titre de l’exposition nous le présente. Mais sa peinture reste dans le domaine du végétal.
Illustratrice que l’on connaît par ses dessins dans la presse, elle a réalisé plusieurs livres. Et elle a reçu le prix spécial du jury à Angoulême en 2018.
Ce sont des auteurs qui débordent du champ de l’illustration ou de la bd pour aller vers d’autres supports, télévision, théâtre et réseau numérique.
Dans les chants graphiques qui ont démarré avec G. Wolinski, Sempé, Claire Brétecher, Plantu etc… tous ces dessins aux traits, lignes clairs, très monochromes, sans fond, ils arrivent avec deux traits, et trois taches , une hachure, à analyser les partitions de nos vies et la musique que provoquent nos travers et nos enfers.
Ci-dessous des dessins Marion Fayolle ont été publiés dans le New York Time.
Marion Fayolle. Donner des conseils pour la planète sans les appliquer soi-même, le vrai problème de l’hypocrisieMarion Fayolle Les traumatismes collectifsLa connaissance de soi pour accéder au succèsEducation sexuelle (image non publiée)
. Livre en cours d’écriture, La maison nue. à paraître aux éditions Magnani.
Extrait du livre La maison nueExtrait du livre La maison nue
· Marion Fayolle à Angoulême en 2018 a remporté le Prix spécial du jury, pour son album Les amours suspendus Ed.Magnani.
Extrait du livre Les amours suspendus« Les amours suspendus ». Marion FlayolleExtrait du livre Les amours suspendus
3 dessins de son livre: Les petits. édition Magnani
Extrait du livre. Les petits, de Marion FayolleExtrait du livre Les petits, de Marion Fayolle
Déjà en 2015 le théâtre Gérard Philipe lui proposait d’assister aux ateliers donnés par le chorégraphe Thierry Tieu Niang à Saint Denis dans le quartier du Franc-Moisin et d’en faire un livre: Les faux pas .
Au salon Solid’Art, les artistes d’un territoire vendent leurs œuvres et collectent des dons pour soutenir les actions de solidarité du Secours Populaire .
A Montpellier fin septembre, il y avait du monde dans les allées, beaucoup d’artistes que l’on connaît et une découverte : ce peintre: Sadik Farabi.
Une œuvre étonnante dans l’ équilibre entre forme et figure, couleur et signe, peinture, collage et traits et déchirures.
Et pour vous faire partager le plaisir de découvrit ses peintures, ci dessous quelques exemples.
Comme le dit Fabien Lasco à propos du travail de Sadik Farabi
« Le chemin qui va de moi à moi fait le tour du monde » dit Keyserling.
La peinture de sadik FARABI exprime elle aussi et sans détour une quête identitaire : le parcours d’un monde à l’autre, l’expérience d’un voyage – d’abord individuel – comme télescopage des temps et des lieux. Est-ce le résultat d’une histoire personnelle et familiale, celle qui nous amène depuis le Sahara, à Rabat puis Montpellier ?
Traduisant inlassablement dans sa peinture les emprunts à la musique et aux rituels gnaouas, Subsahariens ; aux couleurs qui ne manquent pas d’évoquer le Maghreb, celui d’un monde nomade oublié à un monde urbain omniprésent, mais aussi plus intimement, la cuisine aux couleurs et saveurs elles aussi bigarrées. Pareils aux grains de sables disséminés dans l’œuvre de l’artiste, ces traces fabriquent un univers unique…..”
Sans titre. Technique Mixte, acrylique, collage sur toile. 120/40 Petit urbanisme. Sans titre. Technique Mixte, acrylique, collage sur toile. 50/25. 2015Lire. . Technique Mixte, acrylique, collage sur toile. 50/25. 2015Sans titre. Technique Mixte, acrylique, collage sur toile. 50/46.cm. 2015Sans titre. Technique Mixte, acrylique, collage sur toile. 73/60 cm. 2015
Épure et forme, symbole et expression, signes et cadre, son travail est personnel, il a trouvé un language qui passe au dessus des cultures picturales, pour laisser en nos mémoires des traces d’une réalité.
Dans le château de la Roche Jagu, l’exposition “ Métamorphose” Cecile Borne que l’on avait vu au musée Paul Valéry de Sète avec son Carnet de Bord en tissu présentait son travail toujours avec les tissus et objets récupérés. Le texte de présentation nous précise:
“. Elle mène un travail de mémoire et de création autour des tissus échoués, parcelles d’étoffes venues du large et rejetées par la mer. Ces fragments de tissu deviennent le point de départ d’un développement sensible aux lisières de l’intimité du corps et du tissu social. Ces humbles reliques, ruines muettes, témoignent d’une histoire sans parole. Ces dernières années, Cécile Borne a élargi son champ de recherches aux déchets plastiques présents sur le littoral. Elle présente à partir de ces fragments, une fiction ethnographique plastique : Les Indigènes du 7e continent. “
cecile.borne.free.fr
Disparition 2016.
DISPARITION
C’est une installation en hommage aux migrants disparus en mer. 2016
“Parmi les photos nous arrivant du drame qui se joue en méditerranée, certaines m’ont particulièrement interpellées. Il s’agit de ces photos de plages de Turquie ou de Grèce, jonchées de vêtements. Bien sûr, pour moi qui travaille autour du tissu échoué depuis des années, la résonance est immédiate. Cette installation est composée de caisses à crabes en bois, empilées les unes sur les autres, emplies de tissus échoués roulés, fragments d’histoires serrés dans une valise. Ces empilements de caisses forment des stèles au dessus desquelles flottent des coques vides, empreintes de femmes, d’ hommes, d’ enfants. Leur absence est criante. Ces présences fantomatiques nous ramènent au corps, nous rappelle que derrière le mot migrants il y a des hommes, des femmes, des enfants, des êtres uniques, des corps aimés, désirants, des êtres en quête d’une vie meilleure fuyant la guerre et la misère, des destins brisés, abîmés en mer, disparus, devenus invisibles, sans sépulture.”
La planète bleue 2021. 50/50cmConcrétions mèmorielles. tissus ficelles. 2017La Bestia Noire LES INDIGENES DU 7eme CONTINENT. 2019.
Fiction ethnographique plastique. “Pendant 20 ans j’ai récolté ces fragments textiles sur les côtes de Bretagne et d’ailleurs. J’ai écarté de mon regard le plastique, pourtant bien présent sur le rivage. Cette matière particulièrement indésirable ne m’inspirait pas. Puis, il m’a fallu me rendre à l’évidence, je ne pouvais plus faire comme si ce n’était pas là. Il fallait que je porte un regard sur cette réalité. Ce déchet avait aussi des choses à dire. De ce nouveau regard, ont émergé LES INDIGENES DU 7EME CONTINENT..”
On aperçoit d’autres indigènes du 7 éme Continent.
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LES INDIGENES DU 7eme CONTINENT
Une des meilleures plasticiennes de la scène contemporaine, que je mets très haut car elle montre dans sa répétition son geste créatif, comme Armand avec les objets, elle avec les tissus, au delà d’une volonté d’exister comme une artiste, elle donne une présentation de notre société comme un Boltanski qui aurait fait une analyse pour ne pas répéter toujours le même scenario conceptuel.
Les tableaux de Fabienne Houzé-Ricard que j’ai vus cet été au château de la Roche-Jagu en Bretagne m’ont impressionné.
Grand tableau de 2 m de haut, j’ai aimé ce graphisme qui mélange le nid et les brindilles par l’atrait du trait (double traits).
Après sa période Nids. (2017), Fabienne Houzé- Ricard présentait aussi d’autre travaux sur des oiseaux. Comme pour les nids, elle nous pose une interrogation sur la représentation d’un reel qui n’est pas réel mais qui a l’allure du réel, où, c’est le trait du dessin, qui par sa matière, donne la force à l’image. On voit un Oiseau, des plumes, même des ailes ou un corps d’oiseaux, mais ce n’est pas un oiseau.
Sur son site, je n’ai pas retrouvé la majesté que m’a laissée la vision de ses dessins ( peintures) dans l’exposition.
Une exposition qui mêle les nouvelles acquisitions et œuvres majeures des collections du musée MAD. Cet accrochage est aussi le fruit d’une invitation lancée à la fin du printemps 2020 à près de 40 designers, créateurs, graphistes et artisans, tous sollicités pour témoigner de ce qu’avait été ce « printemps incertain », expression empruntée à Virginia Woolf, dans son roman The Years publié en 1937.
Pour présenter les objets de ces créateurs, il a été conçu un parcours montrant l’histoire du design de meubles et d’objets décoratifs existant au musée.
Giov Colucci Sculpture-objet. 1965. Assemblage de vaisselle en verre , collées et peintes.
T
La bibliothèque Carlton de Etorre Sottasse. Italie 1980
Console Moebius de Pierre Renard 2019.
Simone Pheupin. Sculpture textile 2019
Chiffonnier anthropomorphe. 1925 André Grout Acajou gainé de Galuchat ivoire et argentMeuble “ Pod of Drawers “. De Marc Newton. 1987. Aluminum fibre de verreEclipse de Stenn Ipsen 2019. Grès émaillé PVCCorps flottants de la designer Constance Guisset. Un des 50 dessins avec des crayons de couleur. 2020
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A gauche . chaise N°305 de 1954. Jean Prouvé. A droite. Chaise Ombre de Charlotte Perriand 1954. .Shirley Kuramata Fauteuil How High-tech the moon. 1987Sueharu Fukami Sculpture 3 dimensions opulence 1985
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Marine Mathieu. . Cohésion. Verre soufflé , acier. 2020. Tabourets Erwan Bouroullec 2020 Branches de saule et douglas Branches de tremble et douglasFrançois Brument. Visière Covid 19. À réaliser sur imprimante 3D. 2019. Jean Dubuffet. Monument de jardin “ fugue analogue”. 1968
Rene André Coulon . Fauteuil. Manufacture Saint Gobain. 1938.
papillon #1 Mathieu Ducournau 2020 Jeté de fils de coton sur toile Élise Fouin mêle ici cette histoire du territoire à son travail de designer. Grâce à des éléments récupérés, dont elle enroule ou déroule les lisières composées de fils multicolores, 2019. DIMITRY HLINKA ET NICOLAS PINON. Radiateur Entropie. 2019.
Ce radiateur est Lauréats du prix Liliane Bettencourt pour l’intelligence de la main, 2020. Résine à base d’huile de soja biodégradable.
La Halle Saint Pierre à Paris est située juste en dessous du Sacré Cœur. Ce lieu s’est spécialisé dans des expositions sur l’Art singulier et l’Art brut; il y est présenté Stéphane BLANQUET jusqu’à la fin de l’année 2021.
Comme le précise un article d’Agnès Giard du journal Libération :
Halle Saint-Pierre: une orgie d’art «dégénérant».
« Figure majeure de la scène artistique underground, Stéphane Blanquet a transformé la Halle Saint Pierre en maison fantôme érotique. Le parcours initiatique est ponctué d’expériences sensorielles fortes. Le grand frisson…
Fondateur en 1990 de la revue mythique Chacal Puant, créateur de la maison d’édition United Dead Artists, Stéphane Blanquet fait proliférer ses images mentales sous des formes foisonnantes : dessin, marionnettes, installations, spectacle vivant et scénographie, sculpture, édition indépendante, art urbain, cinéma d’animation, musique… Organiques et orgiaques, ses images répètent sans fin l’obsession d’être en vie, c’est-à-dire dévoré d’envies……. »
L’exposition est mise en scène par Martine Lusardy, commissaire de l’exposition et directrice du Musée.
Elle permet de voir toutes les facette que Stéphane Blanquet a su travailler pour exprimer son imaginaire pulsionnel au fil d’un parcours dérangeant.
TRANCHÉE RACINE
Au premier étage, Stéphane Blanquet a invité des plasticiens de différents pays autour d’un manifeste d’édition d’images intitulé TRANCHÉE RACINE ..
Tous ces artistes viscéraux, généreux, hypnotiques, obsessionnels, viennent de tous les courants et contre-courants. Agitateurs rebelles, bruyants, cruels, généreux, non-conformistes, ils incarnent l’archétype du fripon divin comme le Dit ´ Michel Maffesoli.
Cet esprit rebelle et libertaire est le lien entre tous ces artistes, une racine démultipliée, qui interroge notre rapport à la sexualité, à la mort, à la nature, à l’animal, au végétal, à la politique, à l’image…
Futakuchi Takayuki Japon Teraza LOCHMANN. Prague Arnault LOUMEAU. France Pablo QUEREA. MexiqueSAMPLERMAN. (Yvan Guillo)SAMPLERMAN. (Yvan Guillo)Antwan HORFEE. Paris
Il y a 42 artistes présents , juste quelques exemples sont ici présentés, les plus graphiques.
