Depuis un quart de siècle, l’histoire mondiale du jeu vidéo s’écrit en partie dans les studio d’Ubisoft à Montpellier; une exposition nous montre des dessins originaux, croquis qui ont servi aux créations des jeux d’Ubisoft.
Derrière la création des Lapins Crétins, il y a des gens, un territoire et, une personne .
Car c’est sous la houlette de Michel Ancel, et de toute son équipe que ce Franco-monégasque qui est entré chez Ubisoft à 17 ans, que le studio montpelliérain a sorti dès ses débuts quelques-uns des personnages de jeu vidéo les plus célèbres au monde, comme Rayman (1995) et les Lapins Crétins (2006). Il y a aussi l’adaptation du film « King Kong » de Peter Jackson et le titre d’aventure « Beyond Good and Evil ».
Michel Ancel s’est retiré en 2020, à 48 ans, de l’industrie du jeu vidéo.
Si l’aventure se poursuit sans lui, « Ubisoft, une Odyssée montpelliéraine” c’est grâce à lui .
Dans cette exposition, 7 licences Ubisoft Montpellier sont présentées, des jeux incontournables et indémodables :
• 1. Rayman, créé en 1995, tout premier jeu vidéo du studio montpelliérain.
• 7. Beyond Good and Evil2, actuellement en cours de développement.
Cette exposition est l’occasion de faire découvrir aux visiteurs le savoir-faire du studio à travers 160 œuvres, dont 50 créations originales (dessins et croquis faits à la main), pour un total de 4 000 contenus.
Sont également disposées des statues en taille réelle à l’image des personnages.
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Ubisoft, Beyond Good and Evil, Soldats Inconnus, Lapins Crétins, From Dust, Rayman, ‘Ubisoft à Montpellier, Michel Ancel.
Comment parler de Hervé DI ROSA, il expose une série sur l’histoire du peuple “ René » à Montpellier dans la galerie AD.
René est un personage créé par Di Rosa en 1983
Hervé Di Rosa a amené dans les galeries le langage de la BD proche du mouvement Punk et des BD décalées de son adolescence. Au delà de son discours de peintre issu de milieu populaire, il a toujours su rebondir à la manière de Jean Dubuffet.
Le peintre Jean Dubuffet a fait la promotion de l’Art Brut en même temps que son art s’en éloignait. Jean Dubuffet a démontré que la création ne se situe pas seulement dans les codes utilisés dans les galeries et les musées. Il a su définir que la création se situait aussi dans une volonté de créer, que les créateurs se nomment artistes ou non.
Il jouait l’ultime révolution dadaïste, qui, avec raison, dans ce périmètre de l’art des années après guerre, avait besoin d’être bousculé.
Dans ces années 70, là où se situent les débuts de Hervé Di Rosa, le peintre a trouvé par le biais des galeristes la promotion d’un language pictural qui partage avec Robert Combas et François Boirond, et, c’est avec eux ils créent ce que l’on appellera bientôt La Nouvelle figuration. Au même moment d’autres artistes établissaient une réflexion sur le support, la surface, en remettant en cause le tableau et même le musée,. Ces artistes arrivent à peindre que sur le fil de la toile, ou à investir le musée avec des rayures pour montrer que l’art est dépendant des espaces où il est présenté. Notre nouvelle figuration remplit les galeries et musées de tableaux.
Là où le parallélisme avec Jean Dubuffet est remarquable, est que H. Di Rosa a su mettre en avant avec son musée des arts modestes le MIAM une vraie relecture des créateurs de beaucoup de mouvements picturaux du monde entier qui étaient et ne sont pas encore assez valorisés. A l’identique de l’Art Brut promu par J Dubuffet.
Ce long préalable pour présenter cette exposition de Di Rosa à AD galerie dans leur nouveau local situé dans la zone industrielle de Montpellier, entre une boutique de meuble BoBo et des motos de haute gamme.
Ici le peintre nous reprend ses personnages “René “ et dresse à la manière d’un auteur de BD une vision de l’histoire à travers des images clichées qui hantent nos mémoires collectives.
Galerie À DChine 1380Dunkerque. 1940Vinland. 1000Gisent, 500 Av J.-C.Verdun. 1916Orléans 1429Viet Nam 1973Moscou. 1812Rome. 182Tampa. 1862Italie 1747
On peut formuler comme la galerie AD que l’exposition “ offre un regard nouveau sur un artiste pionnier de la figuration libre, qui surprend toujours par une créativité débordante et son goût pour la recherche”.
Mais je n’en suis pas convaincu car même les sculptures présentées ont perdu de la force par rapport à celles qu’il réalisait avec son frère.
Fin de l’article sur Hervé Di Rosa .
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Hervé Di Rosa, galerie AD, les René, le Peuple René, exposition Montpellier,
A la galerie Réservoir de Séte une rétrospective de Andrée Vilar.(1916 2009).
Moins connue que son mari, Jean Vilar, homme de théâtre, elle représente bien cette génération d’artiste déconstruisant la forme mais gardant les volumes et les couleurs, jouant sur la composition afin de donner un sens qui tient quand même au réel . Ce courant artistique nommée “ les très modernes» ( Jean Louis Pradel) a eu une notoriété dans les années cinquante/soixante. Ni avant garde, ni traditionnel, ni en rupture de la peinture, entre abstraction et figuration. On devine ici par la rondeur des courbes des corps, les aplats de couleur, le plaisir simple de représenter un environment symbolisé entre reflet et ligne.
Dans l’exposition sont présentés dessins et peintures, mais aussi des tapisseries. Il y a aussi quelques céramiques car sa sœur Valentine Schlegel a fait sa carrière dans la céramique d’art, et elles ont travaillé ensemble.
Ceramic bottle figure – Valentine and Andrée Schlegel Vilar 1960Plat forme libre (1956)
Il est présenté dans cette rétrospective ses premières peintures.
Nature morte 1940/45?
Je ne peux pas écrire les titres et dates, car au moment où j’ai vu cette exposition, il manquait encore des étiquettes informatives.
1970
Et des tapisseries.
Narcisse. Tapisserie 132/171 cm. Tapisserie. Icare 156/194 cm Atelier Saint-Cyr. 1970 Aubusson Tapisserie. 1,5 /1,5 m. Leda et le cygneTapisserie. 2. /1,30 mTapisserie. 2. /1,30 m. La femme sableTapisserie. 2,5 1,30 m
Et les tableaux avec beaucoup de reflets
Sur le web d’autres exemples !
Avant l’orageAffiche exposition 1974 Andrée Vilar tapisseries galerie La Demeure Paris
le portrait de cette femme nous est donné:
Hommage
“ Véritable voyage à travers le temps, retraçant la vie d’une femme, illustratrice, peintre, dessinatrice et poétesse.
Femme poète, illustratrice, peintre, dessinatrice, Andrée Vilar laisse une œuvre méconnue, importante et diverse dont plus d’une cinquantaine de pièces seront présentées au Réservoir à Sète. Un voyage à travers le temps pour faire la lumière sur une artiste discrète et passionnée.
Cette(re)découverte est le fruit d’un travail d’inventaire familial (réalisé en majeure partie par sa petite fille Clémence et son fils Christophe). Et met en évidence une œuvre foisonnante de gravures, pastels, encres, dessins et tapisseries… Autant de supports présents tout au long de son évolution artistique.
En hommage à cette artiste disparue en 2009, une cinquantaine de ses œuvres, tapisseries et papiers, seront présentées au Réservoir à Sète. Véritable voyage à travers le temps, retraçant la vie d’une femme, illustratrice, peintre, dessinatrice et poétesse.
Les encres des années 1960 sont représentatives de son monde imaginaire, très influencé par ses racines méditerranéennes. On y retrouve les oiseaux marins, le vent, les nuages, des corps de femmes, le soleil, les barques et très souvent la mer.
Plus tard, la douceur de ses gouaches, dans lesquelles les corps tout en courbes et baignés dans une harmonie de tons si délicats, font penser au silence de la contemplation. On retrouve dans ses différentes productions, tous supports et techniques confondus, la même atmosphère que dans ses recueils de poésies.
La mémoire de l’environnement est toujours présente, ainsi que le souvenir de Sète, sa ville natale.
“ « C’est le goût pour toutes ces combinaisons de géométrie qui m’a certainement conduit un jour à acheter une rame de papier de soie blanc, que j’ai coupé, plié, puis assemblé jusqu’à faire ma première lampe. » C’est toute la poésie du papier qui est alors mise en valeur. Puis, voulant donner du volume à une feuille de joli papier à grains, elle y a tracé de petites découpes, qu’elle a ensuite repliées. Puis elle a continué…
Plus qu’un support, le papier devient une matière et se suffit à lui même.
Les possibilités sont infinies, et c’est ce qu’elle présente aujourd’hui.”
L’exposition de l’hiver à la Fondation Van Gogh à Arles nous fait toujours des surprises.
L’accrochage d’œuvres contemporaines ( Souffler de son souffle ) autour ici d’un tableau de Van Gogh a pour sujet cet année une lettre que le peintre envoie à un autre peintre: il y parle du souffle. Cela donne prétexte à trois commissaires : Bice Curiger, Julia Marchand et Margaux Bonopera, de nous montrer le travail des femmes artistes souvent un peu oubliées, accompagnées d’autres artistes souvent conceptuels, et pour rebondir, quelques repères avec Van Gogh et Hokusai.
La logique de l’exposition tient par exemple de cette sculpture présente en entrant.
Jean Marie Apprilou Le sonneur. 2021. Aluminium et verre
JEAN-MARIE APPRIOU vit et travaille à Paris (France).
“Cette sculpture d’un étrange joueur de cornemuse, réalisée pour l’exposition, fait partie d’un corpus d’œuvres inspirées par la poétique et la pratique de l’apiculture. Selon l’artiste, cette série est née d’un souffle que vient traduire la présence d’un chapeau de verre dont la forme interpelle, réplique de celui que porte le personnage de l’alchimiste dans le film La Montagne sacrée d’Alejandro Jodorowsky (1973). Le visage hiératique et les yeux clos, intérieurement guidé par la lumière zénithale de son couvre-chef/ le sonneur se pare ainsi des oripeaux d’un alchimiste guérisseur orienté vers sa quête. A l’instar du joueur de flûte de Hamelin ayant le don d’attirer animaux et êtres humains grâce à la mélodie de son instrument/ le sonneur fait vibrer le roseau de son anche pour guider les abeilles et rétablir, peut-être, un équilibre entre la nature et la cité..”
Il y a aussi cet artiste Vivian Suter: des toiles sont présentées à l’entrée et à la fin de l’exposition.
Vivian Suter. Sans titre. No date Vivian Suter. Sans titre. No date
“Suter peint dans un studio en plein air sans mur attaché à sa maison. On sait qu’elle utilise des matériaux non traditionnels dans ses peintures, tels que la colle de poisson, le matériel volcanique, le sol, la matière botanique et la peinture d’intérieur, dont certains reflètent son environnement local.”
Il y a aussi Vivian Springford.
Vivian Springford. Sans titre 1971
Les explications que nous donne la modératrice est que Vivian Springford a peint toute sa vie, mais le marché de l’art très masculin ne lui a pas permis de se faire connaître à sa vraie valeur.
Quelques références de l’art contemporain des années 1960.
Hans Haacke. Voile bleue. 1965. Piero Manzoni. Corps d’air N°6. 1960
L’artiste Piero Manzoni a réalisé 45 exemplaires de cet installation qui permet ainsi de mettre à la disposition de l’acquéreur le souffle de l’artiste enfermé dans le ballon.
C‘est cet œuvre “souffle d’artiste “ qui donne le ton de l’exposition car dans sa lettre Vincent Van Gogh dit “. Le fait est que nous sommes des peintres dans la vie réelle et qu’il s’agit de souffler de son souffle tant qu’on a le souffle “.
Joyce Pensato. Mickey bleu. 1998. Hans Hartung. T1988-E12. 1988.
D
La petite Sirène. 1990. De Rebecca Horn. (Plume. moteur et tige métallique )
Des dessins du botaniste F. Hallé sont présentés, la relation avec le souffle doit être le fait qu’il a crée un radeau au dessus du souffle des arbres pour les étudier?
Et un livre du début du XX siècle reproduisant une publication de Hokusai.
D’autres pièces nous font revisiter les moments de l’art contemporain des années 1970 /80.
et le tableau de Van Gohg
Vincent Van Gogh. Papillon de nuit géant Saint Rémi de Provence. 1889.
Il est à noter que ces expositions art contemporain tiennent de plus en plus de la logique des curateurs qui nous proposent une lecture de l’art, ici cela ne m’a pas coupé le souffle .
Le dessinateur illustrateur Olivier Bonhomme a été choisi pour réaliser une interprétation graphique du lancement par Ariane V du télescope spatial James Webb.
2020. Ariane et télescope James Webb
On connaît ses dessins car souvent il est illustre un article du journal Le Monde. Il représente cette nouvelle génération d’illustrateur que ce soit par l’imaginaire ou le traitement du dessin avec l’utilisation du numérique comme outil pour compléter leurs créations.
Il ne nous est pas inconnu à Montpellier. Il avait réalisé l’affiche de la comédie du livre en 2021.
Parmi des illustrations pour le journal “ le monde “.
Enquête. 10/12. 2014.
Déjà en 2010, il dessinait en noir et blanc.
Fresque murale à Brest en 2011Pour le journal Le monde 2012Le Monde – Economique – Illustration « La Course. 2013Le Monde – Supplément Eco. 10/20142014. TaHE ENCYCLOPEDIA OF UNUSUAL AND WEIRD ANIMALS » avec 36 autres artistes pour la Nuit des musées au Musée d’Histoire Naturelle de Bruxelles… l’encyclopédie imaginaire.2019. Washington Post.
Et d après le tableau E. Delacroix. On reconnaît les dessinateurs de presses Plantu O Bohomme etc…
JE SUIS CHARLIE. Janvier 2015Supplément Style Washington Post Editorial 2015
Sachant qu’il doit ètre un passionné de Jazz
Dans la série Zakarie.
Mais c’est surtout un des meilleurs illustrateurs du moment, car il reflète bien notre époque.
De plus il adore le Jazz et il a illustré beaucoup d’événements.
Illustration sur Bill Evans Jungle Tram. Dans le projet Journey to New Orleans.
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Bébé. Série Zacharie – Giant BearOlivier Bonhomme – Salammbô 2.0 – technique mixte, tirage unique sur dibond – 74 x 110 cm
Une exposition sur un peintre de la fin du XIXe et du début du XXe siècle, cette époque que le musée de Lodève aime bien présenter dans ses expositions : Jean Francis Auburtin 1866 / 1930.
L’exposition ne montre pas le peintre décorateur qui a réalisé le plafond de la salle à manger du recteur de la Sorbonne, ou l’amphithéâtre de zoologie de la faculté ou des photos du plafond du restaurant le Train Bleu à la Gare de Lyon .
Décorateur de bâtiments publics, Jean Francis Auburtin développa aussi une pratique du paysage pur qui le conduisit, sur les traces de Claude Monet, à peindre inlassablement le littoral français.
L’exposition ne présente que ses tableaux pour montrer l’évolution de ce peintre décorateur.
Sous le commissariat d’Ivonne Papin-Drastik, directrice du Musée de Lodève, l’exposition « Jean-Francis Auburtin, un âge d’or » rassemble une centaine d’œuvres de ce portraitiste de la nature »
Les différentes époques présentées correspondent à ces influences qui ont jalonné sa carrière.
Le japonisme qu’il revendiquait comme inspiration par le traitement du trait encre est présent dans certains de ces tableaux.
Une série sur la normandie :
Vers Vargenvilles. 1895. Goulphar. reflets jaunes. Gouache, fusain et crayon. L’aiguille d’Etretat. Ciel Rouge. Gouache sur papier. 1899 . Etretat. Gouache sur papier. 1898Etretat. Vue plongeante sur l’aiguille. Bateaux rentrant. Gouache sur papier. 1898. Gouache sur papier Madame Auburtin au bord de la mer Huile sur carton 1895.
« Auburtin pratique la gouache et l’aquarelle en virtuose. Sa persévérance à comprendre le paysage et les fluctuations de la lumière s’expriment dans l’élaboration de séries, procédé qu’il emprunte tout aussi bien à Monet qu’aux grands maîtres de l’estampe japonaise. À la façon d’un Hokusai français, et autres estampes japonaise dont il faisait collection. Auburtin pratique la gouache et l’aquarelle en virtuose. »
Les Pyrénées
Pyrénées, pic de Béhorléguy Gouache sur papier. Pyrénées. Aigles. Gorges d’Archambault. Gouache sur papier. Pic de Behorlèguy. Soir. Gouache sur papier. Sud-Ouest. Pins, Ciel Rose. Vers 1898 Gouache et fusain sur papier
Et la Méditerranée.
Porquerolles. Calanque du Brégançonnet. Aquarelle +. Encres. 1898Rochers Fauves Porquerolles. Huile 1894La Grand-Cale á Porquerolles. 1896. Gouache sur papierMéditerranée. Paysage à la vasque, pins et cyprès. Gouache sur papier gris
Naïades.
« Le peintre des naïades blondes et des mers d’azur est l’image qu’il donne à son époque. »
Chants sur l’eau. Huile sur toileDeux baigneuses aux voiles de Porquerolles. 1902. Huile et encreTrois grâces à Porquerolles. 1902. Huile sur toileNymphes à la conque et étoiles de mer. 1912. Huile sur toile.
Revenons à ces paysages
Belle-Île-en-Mer. Effet de nuages. 1896. Gouache sur papier
Belle-Île-en-Mer. Poésie sur le Domois. 1896. Gouache sur papier
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Il est présenté sur le site du musée Giverny (. midg.fr.). Comme suit:
Auburtin se fait une spécialité des marines décoratives où nymphes et naïades peuplent des paysages inspirés des rivages méditerranéens. Maurice Denis le surnomme « le peintre des naïades blondes et des mers d’azur ». La critique reconnait en lui un héritier de Pierre Puvis de Chavannes, le grand décorateur qui fut l’un des modèles de la génération symboliste.
De Porquerolles à Varengeville
Auburtin pratique aussi la peinture sur le motif. Au cours de ses nombreux voyages, il décrit inlassablement le littoral français, que ce soit à Porquerolles, à Belle-Île, où il séjourne à de nombreuses reprises, ou sur la côte normande : à Étretat, et à Varengeville, où il s’établit en 1907. Il excelle dans l’emploi conjugué de la gouache, de l’aquarelle et du fusain.
Les sites qu’il choisit de peindre sont souvent similaires à ceux représentés dix ou quinze ans plus tôt par Claude Monet, dont Auburtin avait découvert le travail pendant ses études, probablement à l’occasion de l’exposition que la galerie Georges Petit consacra à Claude Monet et Auguste Rodin en 1889. En 2019, le musée des impressionnismes Giverny fait dialoguer les œuvres de Jean Francis Auburtin et de Claude Monet, dans l’exposition « Monet – Auburtin. Une rencontre artistique », et présente ainsi deux regards différents portés sur les mêmes paysages.
Jean Francis Auburtin, Musée de Lodève, Porquerolles, Naïades, japonisant,
Stéphane Gétas alias Spig Linocutfactory, est un artiste illustrateur reconnue pour les gravures , il presenté sur le site BDG. : « il est illustrateur freelance depuis 1999 et vit et travaille à Bordeaux. Son médium de prédilection est la linogravure, un procédé d’estampe artisanal apparenté à la gravure sur bois. Ses illustrations sont entièrement gravées et imprimées à la main. Passionné par la musique, la mécanique, la Nature, les sciences et l’espace, Spig interroge dans ses gravures l’ordre et le désordre du monde avec humour et férocité. Son éclectisme se traduit par la diversité des ses collaborations : on retrouve ses illustrations sous forme d’affiches (cinéma, concert, évènementiel), de publicités… Parallèlement , il anime des ateliers d’illustration et de linogravures ». A la Galerie Arterosa de Montpellier où il a laissé des linogravures à découvrir .
Visite de ce musée à l’occasion d’une rétrospective sur l’œuvre de Eliot Vincent. Un des premiers directeurs du musée des Beaux-Arts de Nîmes en 1917.
1- Eliot Vincent. 1868-1945
Journaliste et caricaturiste, ce montpelliérain a fait carrière à Nîmes. Il fût professeur et directeur de l’école des Beaux Arts et conservateur du musée des Beaux-Arts.
Un peu de paysage.
Des dessins de gens simples
Et des caricatures de parlementaires
Et peintre
Le lou e lou chien. Le loup et le chien 1927
2- Extrait de la collection permanente du musée.
Le musée a une collection de peinture du XVII au début XX siècle.
Vierge en prière. De Giovanni Batista Salvi dit Il Sassoferrato. Rome 1685Portrait de Paolo Gerolamo Franzone. De Gio Enrico Vaymer. Gènes 1687 Tête de bœuf de Jan Asselin. Amsterdam 1652Nature morte au vase. Cornelis de HEEM. Anvers 1695Autoportrait. Jacques François Délayent. 1714Orage. De Jules Laurens. 1880
Jules Joseph Auguste Laurens, 1825 /1901, est un peintre et lithographe français qui a un autre tableau au musée de Montpellier.
Jules. Laurens. . La Mosquée bleue à Tauris (1872)
Un peu éclectique comme présentation, mais il a dans ce musée , ce que Eliot Vincent aimait à transmettre, le plaisir de peindre, et une histoire de l’évolution des tableaux depuis le XVII ème siècle dont je n’ai pas montré ici tout les tableaux, et de la grande mosaïque romaine au centre du musée.
Musée des Beaux Arts de Nîmes, Albert Eliot Vincent, Sassoferrato, Jules. Laurens, Jan Asselin, caricature, dessin.
Au hazard d’une recherche, découvrir une artiste par son style de graphisme.
Simple, graphique, en découpage ou linogravure, Olivia de Bona a cette facilité du dessin qui nous fait penser en style aux artistes artisans des années 1930 . Elle est invitée a réaliser des fresques dans la France entière.
Diptyque réalisé en linogravure
Extrait de sa page Instagram
En 2016 elle réalise un livre en linogravure. L’heure de la sieste
Le Fridge comédy. Room
Et des bijoux avec un air 1930
Réalisé pour la journée internationale de lutte contre les violences faites aux femmes.
Autres projets’
Abat jour Boîte lumineuse
En 2015. Olivia de Bona a participé : A AUX TABLEAUX ! : L’ART ÉPHÉMÈRE PREND UNE ÉCOLE D’ASSAUT. Réunissez 40 artistes internationaux, enfermez-les 4 mois dans une école de 4500m2 du XVIIIe siècle et vous obtenez une exposition totalement atypique en plein centre de Marseille. En fait il n’y a pas de tableau car les tableaux c’est les murs, la cours et même le préau.
Et l’artiste réalise aussi des fresques sur les murs.
Sur le site de Seine Saint Denis Tourisme, une présentation de l’artiste. « Olivia de Bona est née en 1985. Après avoir obtenu un diplôme en Arts Appliqués et en Cinéma d’Animation, elle rencontre le collectif 9e Concept avec Romain Froquet et Lapinthur.
Olivia Bona & Lapin Thur Paris 2018
Olivia de Bona, se distingue par son univers riche et imagé, proche de l’illustration. L’ensemble de son œuvre fait écho à notre imaginaire d’enfant : ses personnages étranges et élégants, sorte de bataillons fantastiques, se croisent, se mêlent et vont se fondre dans le décor comme dans un rêve.
À mi-chemin entre les dessins animés de notre enfance et les contes populaires, Olivia nous maintient entre deux mondes, entre la douceur de nos souvenirs et leurs recoins les plus sombres, là où sommeillent nos profondes angoisses et nos sombres désirs.
Outre sa participation à de nombreux événements de street art durant lesquels elle réalise des fresques, elle illustre des livres pour enfants comme Go ! Kiki Go !.
C est intéressant de voir la multitude de supports et activités que réalise une artiste très active dans sa vie sociable.
A La Chapelle Haute de Sète une exposition sur le dessin est présentée comme chaque année. Un plaisir car la diversité et la personnalité sur le fond comme sur la forme de chaque réalisation donne à l’ensemble un plaisir de voir et découvrir.
Très féminine cette année 20 participantes et 5 hommes.
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Stéphanie Saint MartinGravure sur bois 50/65 cm
Stéphanie Saint Martin Sans titre. Gravure sur bois 50/65 cm
Jihane khalife. Série Album N°1
Jihane khalife. Série Album N°1
Suzy Lelièvre. Crayon 2. 2017
Stéphanie Marjoral Coucher de soleil. Crayon de couleur 2019 Nina Haab. Vue sur Jersey. Crayon sur papier. 2019. Raphaël Kuntz. Le cumulonimbus. Feutre et stylo sur papier 2019Djémila Capucine Behamza. Atarizakti/ mise en abîme de l’ombre et filigranes. 2020. Céramique et crayon
1011. Le nouvel ordre mondial. Dessin crayon de couleur 2020Marie Claire Esposito Vertiges 2020. Feuille de porcelaine plus verre
Julie Monet La mémoire du visible Amérique du Sud 2020 broderie 60/70cm
Jihane khalife, Stéphanie Saint Martin, Suzy Stéphanie Marjoral, Nina Haab, Djémila Capucine Behamza, Raphaël Kuntz, Marie Claire Esposito, Julie Monet,
A la galerie François Xavier à Montpelier une exposition sur Nubian et un autre artiste : Bom.K. Celui-ci, venant et continuant le street art, a déjà une réputation internationale.
Une vraie découverte.
Dominant. 18 x 29,5 cm crayon sur papierPolice. Sérigraphie. 2019. Papier à Musique. /. Dessin au crayon et acrylique sur anciennes partitions Scotch Banana. Estampe numérique 225/225 cm. Sur canson 350 gr MikeyUrbaran Kontorsion. 130/87 cm. 2019. Acrylique et Aérosol Magicien Oze. . Estampe numérique 225/225 cm. Sur canson 350 grFermeture. . Dessin crayon
Au delà des sujets qui sont forcément un peu provocateur, sa maîtrise au crayon, l’acrylique, l’aerosol, petits et très grands formats, est forte. Et le choix de ses sujets est une vrai reflection que nous pose le regard d’un artiste sur son environnement qui dépasse celle d’un Francis Bacon ou d’autres artistes enfermés dans leurs cultures pour le musée.
Déjà dans médiapart le 17 JANVIER 2014
Les grisailles de Bom.k traversent les frontières. Membre du crew de graffiti DMV (Da Mental Vaporz), l’artiste français s’est imposé avec son style torturé, couché sur mur ou sur toile, à la bombe de peinture. Un an après Vertiges et Somnolence – première exposition personnelle –, Bom.k continue de peindre des muraux XXL et collectifs, des zones abandonnées, tandis que son travail d’atelier est consacré à la Known gallery de Los Angeles,
Et sur Le Bien Public est écrite cette présentation.
L’artiste brestois Bom.K a fini son œuvre sur le MUR de Dijon, à l’angle des rues d’Assas et Jean-Jacques Rousseau. Intitulée “Honneur”, elle restera trois mois sur la surface d’exposition. Elle représente une vision de Marianne.
2019. Ce projet est porté par l’association Zutique Productions, en collaboration avec la Ville de Dijon
Qui est Bom.K ?
Né dans la banlieue sud de Paris en 1973, Bom-K réside actuellement à Brest (Finistère). À 17 ans, il adopte son pseudonyme, diminutif de Bombing Killa. Artiste de l’art urbain, il manie la bombe et le pinceau pour réaliser tags, flops et fresques, mais aussi des illustrations et esquisses réalisées au crayon. Ses œuvres se présentent en tons monochromes, noir et blanc, froids, à la limite du morbide, que l’on retrouve à Brest, Paris, Nantes (Loire-Atlantique) ou encore Marseille (Bouches-du-Rhône
…….. Bom.k développe depuis 2005, un travail en atelier aussi exigeant et total que ses productions extérieures. Equipé de crayons, d’aérosols, d’acrylique et d’une kyrielle de produits chimiques, il s’attaque instinctivement à des toiles aussi grandes que ses fresques. Logiquement, ses oeuvres ne tardent pas à être repérées par de nombreuses galeries, en France comme à l’étranger – Europe, Etats-Unis et Asie – qui l’invitent à participer a des expositions solos ou collectives.Enfin, la sortie de son livre ‘HB Blacktrace’ aux Editions Populaires en 2007, finit d’assoir sa réputation internationale comme un des noms majeurs de la scène post graffiti, de l’illustration et de l’art contemporain.Aujourd’hui, Bom.k vit et travaille entre Paris et le nord de France.
Lucie Bitunjac présente des céramiques et Chrystèle Gonçalves des peintures qui retiennent l’attention.
Chrystèle Gonçalves présente 3 séries de tableau.
Série 1
“L’étang de Walden », diptyque”, 2019. Huile sur toile, 65 x 50 cm“L’étang de Walden », diptyque”, 2019. Huile sur toile, 65 x 50 cm
Série 2
Untilteted Oil on canvas 116 x 89 cm 2020
“Brume rouge de mars”, 2020, Huile sur toile, 50 x 65 cm. deux autres tableaux en dessous.
Le galeriste Ludovic Allabert explique que, dans l’atelier, l’artiste part d’un objet simple, ici une cerise, et fait évoluer sa composition au grès de son plaisir de peintre.
Huile sur toile 114 x 150 cm
Série 3
(Birds and crickets chirping) / (Gazouillis d’oiseaux et sons de criquets) V Huile sur toile, 146 x 114 cm
En cherchant sur le Net, on découvre que cette marseillaise a déjà réalisé quelques expositions et sa peinture évolue tout doucement vers cet abstraction expressive, comme le titre de l’exposition nous le présente. Mais sa peinture reste dans le domaine du végétal.
Il faut dissocier Oups et Sunra même si les deux artistes du Street Art de Montpellier travaillent souvent ensemble car liés par une grande amitié.
Ils se sont connus en partageant de la musique. Après les notes, il ont partagé le graph dans la rue, souvent complémentaire et chacun gardant une écriture différente, Sunra plus proche de Banksy, et Oups a trouvé avec ses coccinelles, ses poissons, une approche moins directe. C’est dans la durée que la poésie des coxs et Fichs dans le paysage prend forme.
“On a envi tous les deux de proposer autre chose que ce que les medias nous montrent, une autre vision de notre société, une approche plus positive “.
Sunra et Oups Rue du pont de Lattes Montpellier
Oups réalise aussi des poissons bleus, des fantômes et ours polaires pour nous faire comprendre la fragilité de nos environnements.
Oups réalise ainsi ses fameuses Coccinelles qu’il appelle Cox. Celles -ci se sont multipliées et forment des notes colorées dans différents espaces de la ville et de la nature. Comme quand on se promène dans un jardin et que l’on voit une coccinelle, là aussi, quand on se promène et que l’on aperçoit un Cox enfoui sous une plante, ou s’arborant au pied d’un immeuble, cela fait de la musique dans la tête.
L’histoires des Coxs a commencé quand Oups a réalisé des petits galets, et il les a mis en situation sur les sorties de gouttière.
et après!
Les galets se sont transformés en rocher, en bloc béton, rambarde de ciment et ainsi les Coxs font chanter visuellement aussi bien les vignes de Villeneuve -Lès-Maguelone que les bords des chantiers que les abors des cités de Montpellier et le long des chemins.
Et c’est ainsi que depuis 10 ans se sont multipliés Les Coxs dans les paysages autour de Montpellier et ailleurs. Pour le bonheur des promeneurs, ce petit clin d’œil coloré amuse .
Et les Écoles
Au-delà des rues, les deux artistes sont souvent appelés dans les écoles, mais en continuité de leur philosophie, ce n’est pas pour faire de la décoration, ou jouer l’artiste de la galerie. C’est une vrai approche pédagogique pour et avec les enfants et en équipe avec les enseignants qu’ils réalisent leurs prestations.
Page d’Instagram de Oups
Autres poésies.
Mais ce n’est pas seulement la coccinelle Cox qui est en vedette, le poisson Fich et d’autres animaux existent pour le bonheur des transformateurs et des palissades.
Près de la poste Rondelet
Avec Sunra rue Roucher Piste de skate à Palavas.Transformateurs à Villeneuve-Lès-MagueloneSous l’autoroute .
On est dans une approche poétique du Street Art pris non pas comme le mur de la ville remplaçant la toile d’un tableau, mais comme des notes de musique qui forment un ensemble avec les autres composants du paysage.
Même si Oups doit cotiser plus à la caisse des travailleurs sociaux qu’à la maison des Artistes, on peut lire le travail de Oups par rapport à l’art contemporain. On n’est pas comme Viallat ou Buren qui mettent le même signe graphique avec une dialectique pertinente dans des environnements principalement situés en rapport au musée, on est ici plus proche du couple Jeanne- Claude Christo qui provoque des actions dans le domaine du Land Art, ceci pour provoquer une lecture de l’ environment qui nous entoure. Ici, avec Oups, le temps a une importance dans la mise en situation. Et on est dans un processus plus populaire pour la lecture et la compréhension de ces actions.
Ou peut aussi trouver des objets réalisés par Oups pour l’intérieur.
Illustratrice que l’on connaît par ses dessins dans la presse, elle a réalisé plusieurs livres. Et elle a reçu le prix spécial du jury à Angoulême en 2018.
Ce sont des auteurs qui débordent du champ de l’illustration ou de la bd pour aller vers d’autres supports, télévision, théâtre et réseau numérique.
Dans les chants graphiques qui ont démarré avec G. Wolinski, Sempé, Claire Brétecher, Plantu etc… tous ces dessins aux traits, lignes clairs, très monochromes, sans fond, ils arrivent avec deux traits, et trois taches , une hachure, à analyser les partitions de nos vies et la musique que provoquent nos travers et nos enfers.
Ci-dessous des dessins Marion Fayolle ont été publiés dans le New York Time.
Marion Fayolle. Donner des conseils pour la planète sans les appliquer soi-même, le vrai problème de l’hypocrisieMarion Fayolle Les traumatismes collectifsLa connaissance de soi pour accéder au succèsEducation sexuelle (image non publiée)
. Livre en cours d’écriture, La maison nue. à paraître aux éditions Magnani.
Extrait du livre La maison nueExtrait du livre La maison nue
· Marion Fayolle à Angoulême en 2018 a remporté le Prix spécial du jury, pour son album Les amours suspendus Ed.Magnani.
Extrait du livre Les amours suspendus« Les amours suspendus ». Marion FlayolleExtrait du livre Les amours suspendus
3 dessins de son livre: Les petits. édition Magnani
Extrait du livre. Les petits, de Marion FayolleExtrait du livre Les petits, de Marion Fayolle
Déjà en 2015 le théâtre Gérard Philipe lui proposait d’assister aux ateliers donnés par le chorégraphe Thierry Tieu Niang à Saint Denis dans le quartier du Franc-Moisin et d’en faire un livre: Les faux pas .
Banksy est mondialement connu comme un des grands du Street Art.
Dans les locaux de Lutopia,” association montpelliéraine en relation avec SOS Méditerranée,” une exposition d’images et de photos signées par Banksy. Beaucoup d’images, mais il manquait des explications pour bien comprendre cet artiste.
Banksy est celui de la nouvelle génération d’artiste qui réalise un travail le plus proche de ce que Ernest Pignon Ernest avait commencé. La difficulté de montrer les contradictions d’une société par des images, des affiches, pochoirs dans l’espace public, sans rentrer dans le circuit de l’art et Galeries ni être récupéré par un mouvement politique est un défi.
Comme le précise Wikipedia “, Banksy est Apparemment britannique et actif depuis les années 1990, il utilise la peinture au pochoir pour faire passer ses messages, qui mêlent souvent politique, humour et poésie. Ses œuvres sont des images humoristiques, parfois combinées à des slogans. Le message est généralement anarchiste, antimilitariste, anticapitaliste ou antisystème et ses personnages sont souvent des rats, des singes, des policiers, des soldats, des enfants, des personnes célèbres ou des personnes âgées.
Petite fille au ballon, pochoir en noir et blanc, excepté le ballon en forme de cœur peint en rouge, apparaît en 2002, dans le quartier de South Bank, à Londres.
Ce graffiti réalisé à l’aide de pochoirs, était situé sur des escaliers à Londres. Le graffiti représente une petite fille dans une robe noire, qui tend la main vers un ballon rouge en forme de cœur qui s’envole. À la droite de la jeune fille est inscrit There is always hope (en français : « Il y a toujours de l’espoir »). L’inscription et le ballon sont à la même hauteur.
Désirant pouvoir rester critique vis à vis du système, celui qui signe Banksy tient à rester anonyme.
Car, il a conscience de la récupération, encore plus, avec le milieu de l’Art. Et, il essaie de faire avec cette contradiction : d’être mondialement reconnu, que ses objets et images de ce faite prennent une valeur financière importante, et, se tenir à l’écart le plus possible pour aider quand il le peut par sa notoriété et les finances de sa fondation des actions humanitaires.
(L’amour est dans l’air)
Love is in the Air» (L’amour est dans l’air) ou «Flower Thrower» (Le lanceur de fleurs) désignent ce célèbre graffiti de Banksy, devenu une véritable icône. Réalisé au pochoir, cette œuvre de rue est peinte pour la première fois en grand format, en 2003, à Jérusalem, sur le mur qui sépare la Palestine d’Israël. Ce pochoir figure un jeune homme masqué qui s’apprête à jeter un bouquet de fleurs à la place d’un cocktail Molotov.
L’exposition présente des photos, affiches, objets, et différents projets auquel ont contribué l’artiste et son équipe.
Il avait signé quelques murs à Montpellier il y a 20 ans ?
The New Pollution Class. . Servier Street Montpellier , Bristol October 1998 Take the Money and run : Bath building. Montpellier , Bristol August 1999«Sweeping it under the Carpet
Reprenant parodiquement le Bassin aux nymphéas de Claude Monet, la peinture à l’huile reprend le décor romantique peint à l’époque et emplit la marre de caddies et de plots de signalisation. Une critique ouverte à la société qui pollue la nature sans un regard sur elle et modifie le paysage de façon négative. Le 21 octobre dernier, elle a été vendue aux enchères à Londres, pour la somme folle de 7,6 millions de livres (8,5 millions d’euros), soit la deuxième plus grosse vente concernant ses œuvres.
L’exposition est gratuite. Pour SOS Méditerranée, les affiches sont vendues à leur profit.
Lavage des rayures zébrées. Mali . 2009
Lavage des rayures zébrées
L’image montre un zèbre « nu » attendant qu’une femme africaine pende ses rayures pour sécher. La pièce est apparue dans la ville de Tombouctou, capitale du Mali. La pièce représente l’absurdité d’utiliser l’eau dans un pays ravagé par la sécheresse et comment l’Occident devrait aider les habitants de cette région.
C’est à la Porte de la Chapelle, tout près d’un camp de réfugiés, que ce graffiti apparaît dans le weekend du 23 juin 2018, revendiqué par Banksy sur les réseaux sociaux le 28 juin. Une petite fille au visage inquiet, dont la coiffure n’est pas sans rappeler celle de Minnie Mouse encore une fois, tente de recouvrir d’une jolie tapisserie rose une croix gammée. Une œuvre touchante, qui dénonce la haine des étrangers, au lendemain de la journée mondiale des réfugiés (20 juin). Peu de temps après, le tag est vandalisé, recouvert de peinture bleue pour faire réapparaitre cette croix qu’il avait essayé de faire disparaître…
The Girl with the Pierced Eardrum» (La fille au tympan percé), ce graffiti a été peint par Banksy sur la façade triste d’un immeuble, à Bristol, en octobre 2014.
De la boucle d’oreille en perle de la toile originale, Banksy lui a substitué celui d’un boitier d’alarme hexagonal jaune fixé au mur pour orner l’oreille de la jeune fille.
Comme le présente Wikipedia “Dismaland est un projet artistique temporaire prenant la forme d’un parc d’attractions. Créé par l’artiste britannique Banksy, il est situé dans la station balnéaire de Weston-super-Mare, en Angleterre, sur le site d’une ancienne zone de loisirs.
Amateurs d’art et curieux s’amassaient mardi autour d’un magasin de Croydon, au sud de Londres, où l’artiste de rue Banksy tient une exposition éphémère pour défendre sa marque contre un éditeur de cartes de voeux.
Nola, également connue sous le nom de « Umbrella Girl » ou « Rain Girl », est apparue pour la première fois en 2008, dans les rues du quartier de Marigny à la Nouvelle-Orléans, en Louisiane, trois ans après les événements tragiques de l’ouragan Katrina.
Cette œuvre fait partie d’une série de 14 peintures murales qui font référence à la catastrophe qui a frappé la ville appelée « Nola ».
L’œuvre met en scène une jeune fille portant un parapluie ; cependant, dans un des rebondissements caractéristiques de Banksy, la pluie battante apparaît paradoxalement de l’intérieur de la verrière du parapluie lui-même. La jeune fille tend provisoirement une main, et découvre que le parapluie est en fait la source de la pluie.
Et il y a encore d’autres images, mais cet article est un peu long!
Au salon Solid’Art, les artistes d’un territoire vendent leurs œuvres et collectent des dons pour soutenir les actions de solidarité du Secours Populaire .
A Montpellier fin septembre, il y avait du monde dans les allées, beaucoup d’artistes que l’on connaît et une découverte : ce peintre: Sadik Farabi.
Une œuvre étonnante dans l’ équilibre entre forme et figure, couleur et signe, peinture, collage et traits et déchirures.
Et pour vous faire partager le plaisir de découvrit ses peintures, ci dessous quelques exemples.
Comme le dit Fabien Lasco à propos du travail de Sadik Farabi
« Le chemin qui va de moi à moi fait le tour du monde » dit Keyserling.
La peinture de sadik FARABI exprime elle aussi et sans détour une quête identitaire : le parcours d’un monde à l’autre, l’expérience d’un voyage – d’abord individuel – comme télescopage des temps et des lieux. Est-ce le résultat d’une histoire personnelle et familiale, celle qui nous amène depuis le Sahara, à Rabat puis Montpellier ?
Traduisant inlassablement dans sa peinture les emprunts à la musique et aux rituels gnaouas, Subsahariens ; aux couleurs qui ne manquent pas d’évoquer le Maghreb, celui d’un monde nomade oublié à un monde urbain omniprésent, mais aussi plus intimement, la cuisine aux couleurs et saveurs elles aussi bigarrées. Pareils aux grains de sables disséminés dans l’œuvre de l’artiste, ces traces fabriquent un univers unique…..”
Sans titre. Technique Mixte, acrylique, collage sur toile. 120/40 Petit urbanisme. Sans titre. Technique Mixte, acrylique, collage sur toile. 50/25. 2015Lire. . Technique Mixte, acrylique, collage sur toile. 50/25. 2015Sans titre. Technique Mixte, acrylique, collage sur toile. 50/46.cm. 2015Sans titre. Technique Mixte, acrylique, collage sur toile. 73/60 cm. 2015
Épure et forme, symbole et expression, signes et cadre, son travail est personnel, il a trouvé un language qui passe au dessus des cultures picturales, pour laisser en nos mémoires des traces d’une réalité.
Dans le château de la Roche Jagu, l’exposition “ Métamorphose” Cecile Borne que l’on avait vu au musée Paul Valéry de Sète avec son Carnet de Bord en tissu présentait son travail toujours avec les tissus et objets récupérés. Le texte de présentation nous précise:
“. Elle mène un travail de mémoire et de création autour des tissus échoués, parcelles d’étoffes venues du large et rejetées par la mer. Ces fragments de tissu deviennent le point de départ d’un développement sensible aux lisières de l’intimité du corps et du tissu social. Ces humbles reliques, ruines muettes, témoignent d’une histoire sans parole. Ces dernières années, Cécile Borne a élargi son champ de recherches aux déchets plastiques présents sur le littoral. Elle présente à partir de ces fragments, une fiction ethnographique plastique : Les Indigènes du 7e continent. “
cecile.borne.free.fr
Disparition 2016.
DISPARITION
C’est une installation en hommage aux migrants disparus en mer. 2016
“Parmi les photos nous arrivant du drame qui se joue en méditerranée, certaines m’ont particulièrement interpellées. Il s’agit de ces photos de plages de Turquie ou de Grèce, jonchées de vêtements. Bien sûr, pour moi qui travaille autour du tissu échoué depuis des années, la résonance est immédiate. Cette installation est composée de caisses à crabes en bois, empilées les unes sur les autres, emplies de tissus échoués roulés, fragments d’histoires serrés dans une valise. Ces empilements de caisses forment des stèles au dessus desquelles flottent des coques vides, empreintes de femmes, d’ hommes, d’ enfants. Leur absence est criante. Ces présences fantomatiques nous ramènent au corps, nous rappelle que derrière le mot migrants il y a des hommes, des femmes, des enfants, des êtres uniques, des corps aimés, désirants, des êtres en quête d’une vie meilleure fuyant la guerre et la misère, des destins brisés, abîmés en mer, disparus, devenus invisibles, sans sépulture.”
La planète bleue 2021. 50/50cmConcrétions mèmorielles. tissus ficelles. 2017La Bestia Noire LES INDIGENES DU 7eme CONTINENT. 2019.
Fiction ethnographique plastique. “Pendant 20 ans j’ai récolté ces fragments textiles sur les côtes de Bretagne et d’ailleurs. J’ai écarté de mon regard le plastique, pourtant bien présent sur le rivage. Cette matière particulièrement indésirable ne m’inspirait pas. Puis, il m’a fallu me rendre à l’évidence, je ne pouvais plus faire comme si ce n’était pas là. Il fallait que je porte un regard sur cette réalité. Ce déchet avait aussi des choses à dire. De ce nouveau regard, ont émergé LES INDIGENES DU 7EME CONTINENT..”
On aperçoit d’autres indigènes du 7 éme Continent.
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LES INDIGENES DU 7eme CONTINENT
Une des meilleures plasticiennes de la scène contemporaine, que je mets très haut car elle montre dans sa répétition son geste créatif, comme Armand avec les objets, elle avec les tissus, au delà d’une volonté d’exister comme une artiste, elle donne une présentation de notre société comme un Boltanski qui aurait fait une analyse pour ne pas répéter toujours le même scenario conceptuel.
Les tableaux de Fabienne Houzé-Ricard que j’ai vus cet été au château de la Roche-Jagu en Bretagne m’ont impressionné.
Grand tableau de 2 m de haut, j’ai aimé ce graphisme qui mélange le nid et les brindilles par l’atrait du trait (double traits).
Après sa période Nids. (2017), Fabienne Houzé- Ricard présentait aussi d’autre travaux sur des oiseaux. Comme pour les nids, elle nous pose une interrogation sur la représentation d’un reel qui n’est pas réel mais qui a l’allure du réel, où, c’est le trait du dessin, qui par sa matière, donne la force à l’image. On voit un Oiseau, des plumes, même des ailes ou un corps d’oiseaux, mais ce n’est pas un oiseau.
Sur son site, je n’ai pas retrouvé la majesté que m’a laissée la vision de ses dessins ( peintures) dans l’exposition.
